Кисточка послушная губам

Итересные картины коллег

Ната-хозяйка — Mon, 22 Jun 2026 14:26:32 GMT

— В любой картинной галерее, Андрюша, я обращаю внимание на портреты детей. Вот и здесь, в Архангельском музее «Художественная культура Русского севера», не могу оторваться от изображения Настеньки Хавской. Круглолицая, курносая девчушка лет пяти в белом платьице с кружевами пухлым пальчиком указывает на свои сокровища. Видишь, здесь два апельсина, фарфоровая собачка, конфеты в серебристой обёртке. Как точно передал художник детскую способность радоваться малому.
— Это ты, сестрёнка, очень верно подметила. Алексей Венецианов одним из первых русских живописцев стал изображать ребёнка... ребёнком. На его картинах лица детей приобрели свойственную им наивность и доверчивость. Образ Настеньки Хавской, запечатлённый в 1826 году, — яркий тому пример.
— А как же рисовали детей до этого?
— Маленькими взрослыми. В семнадцатом веке дворяне заказывали портреты своих отпрысков для фамильных галерей. И ребёнок выглядел на полотне как продолжатель рода, наследник
— в парадном костюме, с серьёзным выражением лица. Художник отражал социальный статус юной
модели, а не её душевные особенности.
— Как будто делал фото на паспорт?
— Удачное сравнение. А Венецианов стал одним из тех, кто переломил эту традицию. Он привнёс в изображения детей теплоту.
— Облик Настеньки художник передал настолько живо, что я стала переживать — какая судьба выдалась этой девочке, была ли она счастлива?
— О Настеньке Хавской известно немного. Она была дочерью Петра Хавского — русского правоведа, автора нескольких книг по истории Москвы.
Известно, что он в течение тридцати лет был старостой московского храма святителей Афанасия и Кирилла на Сивцевом вражке, очень любил богослужения. И свою единственную дочь воспитывал в вере. За труды на благо Отечества Пётр Васильевич получил дворянский титул, который должна была унаследовать Настя.
— Что значит «должна была»? Этого не случилось?
— Анастасия скончалась через несколько лет после того, как Венецианов написал её детский портрет.
— Но отчего она умерла?
— Неизвестно. Тридцатые годы девятнадцатого века — время холерных вспышек. Возможно, эта болезнь и унесла жизнь девочки.
Алла, ты что, плачешь?
— Не обращай внимания, Андрей. Это всё моя сентиментальность.
— А я думаю, сестрёнка, в тебе говорит материнское сердце. Некоторых женщин Господь наделил способностью видеть в каждом ребенке родного. Сам облик малыша рождает у них желание позаботиться.
— Жаль, нельзя позаботиться о девочке, которая умерла в девятнадцатом веке.
— Почему же? Можно помолиться о ней. На портрете художника Алексея Венецианова мы видим реального человека, который жил на земле и отошёл в вечность. Почему бы не попросить у Господа милости для Настеньки?
— Какая утешительная мысль! Этот совет и в других ситуациях может помочь. Если не ты не в силах помочь человеку — попроси у Бога помощи для него. И я, конечно же, помолюсь об упокоении девицы Анастасии.
— Вместе помолимся. И не только о девочке, но и её отце, Петре Хавском, и о славном художнике Алексее Венецианове. Он написал портрет, в котором отразилась подлинная жизнь. И она продолжается в вечности!
«Портрет Настеньки Хавской кисти Алексея Венецианова можно увидеть в Архангельском музее «Художественная культура Русского севера».

Вспоминая Павла Рыженко

Ната-хозяйка — Fri, 17 Mar 2023 12:19:04 GMT

«Приблизившись к рубежу своей жизни, рубежу, который не смог переступить великий Пушкин, у которого остановились многие, я задаю себе вопрос вопросов: кому я служил? Именно кому, а не чему, и вообще, что
есть искусство? Надеюсь, что мои картины разбудят генетическую память моих современников, гордость за свое Отечество, а быть может, помогут зрителю найти для себя единственно правильный путь. И тогда — я буду счастлив выполненным долгом», — так однажды пусть немного пафосно, но очень искренне написал на своем сайте Павел Рыженко.
Заслуженный художник России, выпускник Российской академии живописи, ваяния и зодчества, мастер Студии военных художников им. Грекова, посвятивший свое творчество историческому жанру, он скоропостижно скончался этим летом, 16 июля. Два месяца спустя, в начале сентября, в Калужской Свято-Тихоновой пустыни открылась выставка, на которой была представлена самая масштабная и последняя из работ Рыженко — двадцатишестиметровая диорама «Стояние на Угре». Увы, уже без художника.
Кому же служил Павел своим творчеством? Что для него было искусство?
Каким он был художником и человеком? Эти вопросы мы решили задать его другу и коллеге, художнику Ивану Глазунову.
— Иван, вы учились вместе с Павлом в Московской средней художественной школе (МСХШ)…
— Да, в параллельных классах, с шестого по одиннадцатый. Может быть, не так близко дружили, но вместе проводили много времени.
Ослябя

— В те годы можно было уже понять, что из него вырастет художник большого масштаба?
— В детстве вообще ничего не понятно. Тем более в подростковом возрасте, когда человек на все остро реагирует. Да и сами мальчишки оценивают друг друга иначе. Я помню, что Паша был совершенно
безудержным. Если смеялся, то громко, если кричал, еще громче. Не стану говорить, что он был душой компании. Он был в хорошем смысле широким и открытым. Мог вмазать как следует. Он плохо учился и несколько раз за острые шутки на уроках и неуспеваемость был на волосок от исключения.
Иногда он был смешной. Не то чтобы в разных ботинках приходил, но мог полезть за какой-нибудь книжкой и тут же свалить книжный шкаф, а вслед за ним из комнаты вываливалась и дверь. В нем был какого-то особого рода мотор не просто мальчика-художника, подростка, а человека, который если что-то хочет, то он это делает. Я вспоминаю «Соборян» Лескова, вот он такой типичный Ахилла Десницын.
В МСХШ не было таких заданий, по которым можно было определить сильного в будущем художника. Но для того, детского, уровня Паша писал очень хорошо. Когда мы смотрели работы из фонда школы двадцатилетней давности, то работы послевоенного времени всем нам казались недосягаемо хорошими.
Ученические работы Паши уже тогда были такими, словно он жил и учился немножко раньше. Еще в школе у него появилась черта, сохранившаяся на всю жизнь. Его мысль опережала ремесленную составляющую. Если он вдруг задумал что-то сделать, то мог оконную раму найти, холст натянуть, причем плохо, со складками на углах, торопливо, но за два часа замысел воплотить. Другие на его месте несколько дней только собирались бы. Он как будто спешил все время. Но не в плане «побыстрее сделать», а именно «выплеснуться». Эта черта осталась у него и в Академии. Действительно все шло в ход. Мысли бурлили. Он мог за десять минут, если ему что-то привиделось, взяться за огромный холст и закончить его за ночь. Это
удивительное качество, которое мало кому дано, и выделяло его среди художников.
Сам он родом из Калуги. Из семьи военных офицеров. И хотя Калугу всегда называл малой родиной, но в силу обстоятельств, условий работы офицеров в СССР, особенной привязки именно к Калуге у него не было. Важнее другое: он считал себя русским человеком.
Он отслужил в армии. Вероятно, это был вынужденный шаг, но для него служба совсем не стала трагедией. Павла всегда отличала такая лихость во всем и легкое отношение к житейским обстоятельствам.
— Историческая живопись, тем более классический реализм, кажутся сегодня не вполне современными и даже невостребованными. То, что Рыженко занимался именно исторической картиной, — учился этому в Академии живописи, ваяния и зодчества, посвятил всю свою жизнь, —
значит ли, что он шел против течения?
— Действительно, он целенаправленно шел учиться к моему отцу, Илье Сергеевичу Глазунову. Он уважал его еще в бытность в МСХШ и явно нацелился на Академию. Хотя позже в интервью он по-разному высказывался,
но как учителя отца уважал. С благоговением относился к годам, проведенным в Академии, с благодарностью вспоминал то, что в профессиональном отношении здесь получил.
Не скажу, что Павел так уж сильно двигался против течения. Вот, например, прилетел я как-то в Краснодар, где меня принимал настоятель собора казачьих войск. Поднимаемся в трапезную, а там вся лестница
в репродукциях картин Паши. Или прилетел в Екатеринбург, зашел в церковную лавку — и там репродукции его работ. Да в любом храме Москвы, в лавке Сретенского монастыря — везде вы найдете его работы.
Такая востребованность о многом говорит.
Вот есть кино, Интернет, разные медиапроекты, но на этом фоне живопись по-прежнему сохраняет свою актуальность, потому что «картина в раме» — это эстетическая категория.И человек, пусть даже искушенный кинематографом и разными современными «измами», «картину в раме» довольно высоко ценит. В картине
нет смены декораций, движущихся фигур, ее можно рассматривать. Наконец, в ней художник выделил квинтэссенцию события. А это то, что заставляет человека рассматривать картины и сопереживать.
Кто-то дотошный и придирчивый найдет в работах Рыженко какие-то несоответствия и скажет: «Ну ты, Паша, написал!» А человек простой подумает: «Я тоже так вижу, но только красками писать не умею. А Рыженко
показал, как я понимаю, как хочу». Все. Точка. Катарсис. В этом смысле актуальность живописи сейчас, по-моему, огромная. Я не видел даже такого числа репродукций «Квадрата» Малевича, как репродукций Рыженко. Есть каста, которая любит или пиарит то, что называется современным искусством. Но Рыженко, по-моему, современнее, потому что его творчество востребовано современниками. Множеством людей, а не узким кругом снобов.
Павел Рыженко

Мы с ним много спорили и о взгляде на историю, и о том, как и что нужно нести зрителю. Он искренне переживал за то, что происходит в стране, очень любил Россию, любил то, что изображал: и царскую семью,
и святых. Из русской истории и для русского человека он выбирал события и эпизоды, которые решали и судьбу страны, и судьбу духа. Темы эти его очень мучили. Ему было важно быстро разродиться ими. Все это было выношено в ускоренном темпе, поэтому он не задумывался, кто как посмотрит, движется он по течению или против. Он знал, что есть люди, которые откликнутся на то, что он создает. В этом отношении он жил по
принципу «я не червонец, чтобы всем нравиться».
Безусловно, иногда он любил в позу встать, мол, меня ничего не волнует, я отшельник, я поймал свою волну. Порой говорил о себе уничижительно, порой пафосно. На самом же деле это было сродни игре. Ведь как художник, он переживал и думал, а что скажут? как найдут? что увидят? Чужая душа — бездна. Никогда не знаешь, что там. Но мне кажется, Рыженко искренне верил в то, что делал. Главное, от него никогда не веяло
равнодушием.
— Я ошибаюсь, или он действительно изобразил себя в образе Пересвета? Случайно ли физиономическое сходство в картине?
— Я думаю, что это происходит, когда человек пишет от себя, по воображению. Когда мало работает с натурой, невольно собственные черты превалируют. Художник сочиняет лицо, но нечаянно получается свое
собственное. Умышленно Павел написал автопортрет только в одном произведении — «Страшный суд». То есть он себя не превозносил.
Вообще, ему всегда важнее было создать художественный образ, а не написать портрет. Я ему иногда вставлял такие спицы, в шутку, конечно: мол, нужно писать реальных людей, тогда будет большее разнообразие. Но он был человек импульса. Ему нужно было сделать прямо сейчас и сразу.
Чисто физически не было возможности кого-то искать, писать по двадцать пять лет картину.
— При этом у Рыженко что ни тема, то масштабная. И масштабное же исполнение. 3, 12, 26 метров. Это огромные полотна, которые не предназначены для камерного просмотра. Такие картины требуют много даже физических сил. Как вам кажется, почему ему был интересен такой формат?
— Еще в бытность студентом у Рыженко обнаружилась важная для художника черта — цепкая наблюдательность. Паша фиксировал, как человек сидит, в каком состоянии, куда и как повернет голову, куда направит взгляд. Благодаря такого рода наблюдательности в картине появляется жизненная точность, правда жизни, а не условные лица-маски и выдуманные позы. На последних курсах Академии стало ясно, в каком направлении Паша двигается. Его дипломная работа «Битва на Калке» отражала его взгляд и на современную жизнь тоже. В этой картине есть посыл и исторический, и эстетический. Сначала Рыженко увлекался историческими портретами.
А потом появилась поддержка, появились зрители, на выставки приходили зрители. Когда художник начинает чувствовать, что поймал струю, попал своим творчеством в какие-то человеческие переживания, то масштабы
и усилия его тут же удваиваются и утраиваются.
Победа Пересвета

И хочется, взяв высоту, подниматься выше, еще масштабнее работать. Хочется больших тем, обобщений, своей философии. Рождение масштабных полотен связано с тем, что к нему пришел успех, он стал востребован. Многие именно по работам Рыженко уже помнят и царскую семью, и Дмитрия Донского.
— В одном из интервью он сказал, что избегает общения с художниками, что жизнь художника сродни жизни монаха. Это действительно так? И правда избегал?
— Да нет. Как нет ничего общего между жизнью монаха и творчеством художника. Я вообще не люблю подобных сравнений. Другое дело, что в этих словах он пытался выразить не до конца сформулированную мысль о пути художника. Избегал? Да, когда у человека есть семья, дети и большие замыслы, то будешь поневоле избегать общения. Иначе ничего не успеть.
Друзья — это не те, кто отнимает время, но те, кто дарит его. Но когда погружен в работу и варишься в замыслах, окружающие действительно могут выпадать из поля твоего зрения.
— «Страстный в работе талантливый художник», — сказал о нем Илья Сергеевич Глазунов. Можно ли сказать, что он сгорел на работе?
— Нет, я бы так не сказал. Он сгорел скорее от нервического восприятия действительности. Последние события, происходящие в России, вокруг России, он принимал близко к сердцу. Любой провал на политической арене был его личной болью. Пусть это звучит и пафосно, и громко, но его исторические образы, трагедия царской семьи, «окаянных дней» и «темных дней» — это тоже было личным переживанием. Последний год своей жизни он вообще был очень взвинчен. Об этом говорила и его жена Анастасия
Рыженко, удивительная и настоящая жена художника, отдающая себя творчеству мужа. Я, конечно, не могу утверждать, но мне кажется, что он сгорел именно от внутренних переживаний человека, который видит
и понимает, что происходит. Это пошатнуло его здоровье больше, чем силы, отданные работе над картинами.
Апокалипсис

Вообще, Павел Рыженко был человеком невероятной бодрости душевной и телесной. Мне кажется, что он работал бы и работал. Художник черпает силы именно в творчестве и потому не может перетрудиться и сгореть от тягостей художественной жизни. Творчество — это радость, то, что дает силы. Если у тебя есть возможность самовыражаться, есть востребованность, ты на этом сгореть не можешь.
Однажды Паша возвращался домой, шел по парку в спальном районе. Решил поймать такси. Остановился джип, в котором сидят типичные для джипа с черными стеклами мордовороты. Узнали, куда ему ехать, предложили подвезти. Он в недоумении: почему его такие люди взяли в такую машину.
Доехали. Выходят — и тут ребята его просят: «Отец, благослови». Оказалось, что они приняли его за священника, который в парке заблудился. Пришлось благословить, а что делать?
Веночек

Действительно, у него и во внешности было что-то такое… Не исключаю, что он мог подумывать о том, чтобы принять сан. Он был воцерковленным человеком, к вере пришел еще в школе. Таких в МсХШ мало было. Он часто причащался. Вера была важнейшей стороной его жизни. Все его святые на картинах, в том числе на полотне «Страшный суд», — это еще и плод такого неофитского прихода к вере, когда она обрушивается на тебя, как плита тяжелая, как ведро воды, и надо быстрее и больше от этого радостного чувства получить. Я бы так оценил изобилие святых на его картинах, все эти темы. Он просто купался в этом.
— Его будут помнить потомки?
— Когда Джотто расписывал храм в Падуе, люди ходили толпами смотреть, сначала — как он работает, потом — на то, что получилось. И еще десятилетиями его росписи были темой для обсуждения. Наш мир другой. Мы перенасыщены информацией. И теперь редко кто может хорошую живопись отличить от плохой. Хуже того, сегодня принижается роль художника, писателя, композитора. Но я уверен, что если работы Павла начнут печатать как иллюстрации к учебникам, то даже те, кому совершенно наплевать на искусство, будут знать этого художника. Хочется, чтобы память о Павле осталась. Чтобы в Калуге, как он планировал, открылась галерея его картин. Чтобы круг его поклонников пополнялся теми, кто, увидев талантливо сочиненную картину, прочтя в ней авторский замысел, захотел бы сохранить созданные им образы.
Великое стояниена реке Угре в 1480 году. Фрагмент диорамы

Думаю, что время Павла Рыженко еще придет. Шелуха отсеется, а вещи знаковые, яркие, сделанные на самом высоком профессиональном уровне, останутся. Их будут помнить. Будут печатать в книгах.
Современному человеку очень нужно смотреть картины. И не только в Третьяковской галерее и художников прошлого, а именно современных и именно таких, которые отвечают на какие-то важные исторические
и философские вопросы: «Кто я? Откуда? Куда я иду?» Паша пытался сформулировать для зрителей, как он понимал, в чем видел ответы. Он сам их искал, болел ими. Я уверен, что такое не забудется и останется. Это
будут вспоминать, смотреть. Уверен, что Калуга будет им гордиться как малая родина Павла Рыженко.
Патриарх Кирилл Преображение наших душ 9 сентября 2014 года в ходе визита в Калужскую митрополию Святейший Патриарх Кирилл посетил скит Свято-Тихоновой пустыни в честь Владимирской иконы Божией Матери, расположенный в селе Дворцы на реке Угре. Скит был построен на месте стояния на реке Угре в 1480 году войск князя Ивана III и хана Ахмата, события, ознаменовавшего окончательное падение татаро-монгольского ига.
Святейший Патриарх осмотрел картины заслуженного художника Российской Федерации, уроженца Калуги Павла Рыженко (1970–2014), посвященные преподобному Сергию Радонежскому, и диораму «Великое стояние на реке Угре в 1480 году», размещенные в монастырском музее.
Фото предоставлено пресс-службой Патриарха Московского и всея Руси

Двадцатидвухметровая диорама была создана незадолго до кончины художника в июле 2014 года и стала последним его произведением. Над созданием ее трудилась группа мастеров студии им. М. Б. Грекова под
руководством Павла Рыженко и народного художника Российской Федерации Александра Сытова.
После освящения здания музея Предстоятель обратился с кратким словом к участникам церемонии открытия:
«Мы с вами находимся в замечательном месте.
От того, что произошло здесь, во многом зависело будущее нашей страны, нашего народа и нашей Церкви. Посещая это место, все, кто будут сюда приезжать, будут вспоминать и героический подвиг нашего народа,
защитившего Отечество, и замечательного русского художника Павла Рыженко. Дай Бог, чтобы все это работало на исцеление и преображение наших душ».

Современная русская живопись: Сергей Бессонов (100 работ)

Ната-хозяйка — Tue, 28 Dec 2021 10:43:30 GMT

Современная русская живопись: Сергей Бессонов (100 работ)
Бессонов Сергей Евгеньевич, 1961г.р., г. Курск.
Художник-живописец. Проживает в г. Москве. В прошлом - кадровый офицер ПВО.
Имеет высшее художественное и экономическое образование, также - дизайнера-разработчика.
Техника - акварель, масло, пастель, графит.
Жанры – портрет, пейзаж, натюрморт, фигурные композиции.
Член Союза художников Подмосковья, член Российской Ассоциации маринистов, член Профессионального союза художников России.
Картины художника находятся в собраниях центральных музеев и организаций
России: Музее–панораме Бородинской битвы, Центральном музее Великой
Отечественной войны на Поклонной горе, Центральном музее космонавтики,
Центральном Военно-морском музее, Московском суворовском училище,
Московской Сретенской духовной семинарии, посольстве Болгарии,
Генеральном Консульстве Италии в Москве…
С удовольствием пишет на заказ.
E-mail: sergo777@rambler.ru

Григорий Журавлев - иконописец ртом

Ната-хозяйка — Mon, 15 Feb 2021 19:20:55 GMT

Безрукий и безногий художник Григорий Журавлев создавал великие творения: зажав зубами кисть, писал Божественной чистоты святые образа и расписывал храм, взбираясь на строительные леса или люльку. О нем до сих пор ходят много рассказов и вымыслов, а в биографии много пробелом.
Поговаривают, что Григорий даже был женат на девушке, хорошо его
знавшей, и стал отцом двух или трех детишек.

художник Борис Кустодиев

Татьяна_Зубова — Sun, 20 Dec 2020 15:33:28 GMT

Невероятная судьба выпала на долю художника Бориса Кустодиева. Он был безмерно счастлив в браке со своей единственной и обожаемой Юлией. Он даже не мог тогда предположить, что за несколькими годами их семейного счастья последуют десятилетия горя и безысходности... И что Юлия станет его ангелом- хранителем.
Беды пришли в дом молодой семьи в 1907 году, когда от менингита, не прожив и года, умер их младший сынишка. А сам Борис Михайлович стал жаловаться на боли в руке и жуткую мигрень. Через пару лет у Кустодиева появились первые признаки заболевания спинного мозга, поэтому боль в позвоночнике и руке усиливались с каждым днем. Диагноз был неутешителен: опухоль в спинномозговом канале. В тридцать с небольшим Кустодиев стал инвалидом.
К 1916 году у Бориса Михайловича развился необратимый паралич нижней части тела. Потребовалась сложнейшая операция, продлившаяся около пяти часов, во время которой к сидящей в коридоре жене вышел сам профессор и сообщил: «Подтверждена опухоль спинного мозга, но, чтобы добраться до нее, нужно перерезать нервные окончания. Больной без сознания, поэтому вам решать, что сохранить ему: руки или ноги?».
Женщина, прекрасно понимая, что в лучшем случае ее ждет судьба сиделки при паралитике, уверенно ответила: «Оставьте руки. Художник – без рук, он жить не сможет...». Целых полгода провел художник на больничной койке, между болью и отчаянием. Но рядом с ним всегда была она — его верная Юлия, благодаря которой он смог продолжать жить и творить. На категорический запрет врачей работать, Кустодиев настойчиво заявил: «Если не позволите мне писать, я умру»... Стиснув зубы и превозмогая невыносимую боль, он писал лежа.
Дома товарищи-художники соорудили для живописца специальный навесной мольберт, на котором подрамник с холстом мог передвигаться в разные стороны. А позже Юлия пересадила мужа в кресло-каталку и научила передвигаться на нем по комнате. Также она придумала приделать к креслу небольшой столик, куда можно было положить краски и другие принадлежности. И что самое удивительное, именно в это время Кустодиев напишет те праздничные, жизнелюбивые картины, которые стали знаменитыми и вошли в сокровищницу мировой живописи. Пестрая провинциальная жизнь, праздники, знаменитые кустодиевские купчихи и красавицы — это тот фантастический и ностальгический мир художника, которым он жил в те тяжкие годы. И сложно представить себе, что художник создавал свое художественное наследие полуголодным в холодной квартире, практически беспомощным в кресле-каталке, превозмогая страшные боли...
Тем не менее это было жуткой реальностью для самого мастера и его семьи. Последние месяцы жизни, отмеренные 49-летнему художнику, он не жил – он постепенно умирал: неподвижные ноги, разрываемые адской болью, высохшая, совсем ослабевшая рука, из которой падал карандаш.
Жена была с ним рядом до последних минут... За более чем пятнадцать лет – ни одного упрека или жалобы на усталость, ни одного нарекания на злую долю.
Умер художник теплым майским днем от скоротечного воспаления легких.
И напоследок судьба как бы посмеялась над художником – за десять дней до его кончины он получил извещение, что советское правительство разрешило выехать ему за границу на лечение и выделило на эту поездку деньги.
Юлия Евстафьевна умерла в 1942 году, в суровые дни блокады Ленинграда от голода...

Константин Алексеевич Коровин

Ната-хозяйка — Fri, 10 Apr 2020 18:48:53 GMT

Коровин, Константин Алексеевич - живописец.
Родился в Москве в 1861 году; происходит из богатых крестьян Владимирской губернии. В доме отца с детства встречался со многими художниками и под влиянием своего родственника, И.М. Прянишникова , с ранних лет вместе с братом Сергеем начал заниматься рисованием. Учился в московском училище живописи, ваяния и зодчества, у Саврасова и Поленова ; последний оказал на Коровина большое влияние.
Долго работал в Париже, где выставил в "Салоне" картину "Au petit matin". В Москве писал декорации для частной оперы С. Мамонтова, частью по эскизам Поленова и В. Васнецова , частью самостоятельно ("Улица в деревне Берендеев" для "Снегурочки", часть декораций к "Аиде" и "Алой Розе"). В 80-х и начале 90-х
годов Коровин выставлял у передвижников; к этому периоду принадлежат его
картины: "Испанки у окна", "Фонари", "Хозяйка".
Когда Мамонтов, в 1894 году, снарядил экспедицию для исследования дальнего
севера России, в ней принял участие Коровин, изучивший при этом природу, быт
и архитектуру севера. К последующим годам относятся его картины "Зима в
Лапландии" (1894), "На дальнем севере" (1894), "Гаммерфест" (северное сияние) (1898). По поручению Мамонтова, Коровин занялся устройством и декорированием "Северного павильона" на всероссийской выставке 1896 года в Нижнем Новгороде. Павильон был построен Коровиным в стиле северных деревянных строений и послужил прототипом для последующей русской деревянной архитектуры нового стиля. Внутри он был украшен рядом декоративных панно, изображавших жизнь и природу нашего севера, впоследствии перенесенных в здание вокзала Московско-Ярославской железной дороги. Коровину были поручены постройка и устройство русского кустарного отдела на парижской всемирной выставке 1900 года и декорирование сибирского и среднеазиатского павильона там же. Успех построек и декоративных панно Коровина был огромный (теперь эти панно в музее Александра III в Петрограде). С 1900 года Коровин состоит постоянным художником при Императорских театрах и дал ряд театральных постановок удивительного богатства красок и силы ("Дон Кихот", "Лебединое Озеро", "Дочь Фараона", "Руслан и Людмила", "Севильский цирюльник", "Аленький цветочек", "Хованщина", "Спящая Красавица", "Золотой петушок", "Царь Салтан" и другие). В 1901 году преподавал в Московском училище живописи и в Строгановском училище (в Москве). Тонкий колорист, отличный декоратор, Коровин явился первым русским художником, объединившим живопись с архитектурой. Он пишет мастерские пейзажи, в которых достигает большого живописного впечатления; кроме его северных пейзажей, выдаются его виды Парижа, например: "Boulevard des Capucines" (1898), "Cafe de la Paix ночью" (1905), "Boulevard des Italiens ночью" (1909), целая серия "Les feux de Paris" (1913), а также яркие южные пейзажи и этюды, например: "Татарская улица ночью" (1911), "Сад в горах" (1911), "Крым" (1914) и его интересные nature morte в дневном и ночном пейзаже. Им исполнено несколько чрезвычайно интересных портретов, например: княгини Голицыной (1898), Шаляпина (1912), г-жи С. (1913). Он много занимался художественной промышленностью, давая рисунки кустарям для мебели, резьбы, майолики; по его рисункам была устроена "Чайная комната" на выставке "Современное искусство" (в Санкт-Петербурге, в 1903 году). Большая часть картин Коровина - у частных крупных коллекционеров; в Третьяковской галерее - "Северная идиллия", "Неудача", "Зима в Лапландии", "Зимой", "Парижский бульвар ночью", "Сирень", "Девушка в саду", "Гаммерфест", "Испанский кабачок", "Татарская улица в Крыму" и несколько этюдов; в Румянцевском музее - "Тифлис", "В сарае"; в музее Александра III в Петрограде - "Эскизы декораций сибирского павильона на выставке 1900 года в Париже" и часть декоративных панно. - См. "Московская галерея П. и С. Третьяковых"; А.Н. Бенуа , "Русская школа живописи"; 24 снимка с произведений К.А. Коровина

Великая Княгиня Ольга Александровна Романова

Максим_Коровин — Thu, 25 Oct 2018 15:47:01 GMT

Автопортрет

Для нас, современников, личность Ея Императорского Высочества Великой княгини Ольги Александровны Романовой заслуживает особого внимания. И не только потому, что она дочь и сестра Императоров России. А прежде всего потому, что она была удивительной женщиной, значительную часть Своей сознательной жизни посвятившей подвигу благотворительности и милосердия. Вместе с высоким рождением Господь даровал Великой княгине и талант художника. Его она пронесла через всю жизнь, не растратив и не предав.

Великая княгиня Ольга Александровна, младшая дочь императора Александра III, родная сестра последнего царя Николая II, родилась в Петергофе 1 (14) июня 1882 г. Художественные
способности начали проявляться у Великой княжны в возрасте 4-5 лет. Увлечение царских детей искусством приветствовалось и поддерживалось отцом. Император приглашал к детям преподавателей живописи: одним из первых ее учителей был художник-передвижник Карл
Лемох, затем она училась у таких прекрасных мастеров, как В. Е. Маковский, К. Я. Крыжицкий, С. А. Виноградов, С. Ю. Жуковский. Ольга Александровна оказалась одаренным художником, она много работала как живописец, акварелист. Еще в 1900-е годы Великая княгиня устраивала в Гатчинском дворце вернисажи, на которых были представлены не только ее работы, но и картины молодых художников. Деньги, вырученные от продажи полотен, шли на
благотворительность. В 1912 г. основала Общество помощи нуждающимся художникам в память академика К. Я. Крыжицкого.
Помимо живописи и акварели, как глубоко верующий православный человек, Великая княгиня увлекалась иконописью. Образами своего письма она благословляла своих близких, приюты и
воинские части, больницы и школы.

Ольга Александровна с ранних лет лично покровительствовала и шефствовала над множеством Богоугодных учреждений и организаций. В основном она благодетельствовала детским домам,
больницам, богадельням, женским курсам. Большую помощь оказывала неимущим талантливым художникам. Многие русские люди, оказавшись в бедственном положении, обращались к ней лично. Она старалась помочь каждому нуждающемуся, насколько хватало её личных сил и средств.
В годы Первой Мировой войны на свои личные средства оборудовала госпиталь, где служила простой сестрой милосердия.
После революции, в 1920 г., Ольга Александровна с семьей уехала в Данию. Здесь августейшая художница продолжала писать и часто устраивала выставки в Копенгагене, Париже, Лондоне, Берлине.
Ее любимой техникой стала акварель. Водяные краски было удобно брать в дорогу, а ведь Великой княгине часто приходилось переезжать из одной страны в другую. После революции она жила в Дании. Но в 1948 г. вынуждена была уехать в Канаду, так как советское правительство предъявило Дании ноту из-за того, что Ольга Александровна много помогала русским изгнанникам. Несмотря на удары судьбы, августейшая художница не утратила
жизнерадостность. Она по-прежнему находила красоту в прозаических вещах: сельская дорога, чайный стол, праздничный пирог – все становилось в ее руках предметом искусства. Здесь она продолжала много рисовать и успешно продавала свои картины, что служило источником существования семьи. Из Канады она отсылала работы для выставок в Данию, где ее не забывали и откуда постоянно приходили письма с новыми заказами.
Множество акварелей Ольги Александровны посвящены цветам, которые она очень любила, с ее живописных работ дышат ароматной свежестью ирисы, незабудки, розы, анютины глазки, сирень…
Биограф Великой княгини Йен Воррес так описывает первую встречу с Ольгой Александровной: «Пол уставлен горшками с цветами и растениями, кипами бумаги для рисования, усеян кистями и тюбиками краски. Вскоре я узнал, что живопись и садоводство - главные занятия Великой княгини…» Канадская природа напоминала Ольге Александровне любимую Россию. В письме к подруге она сообщала: «В окрестностях я обнаружила свои
любимые весенние цветы - голубые анемоны. Какое это было счастье - ведь я обожаю их и думала, что никогда больше не увижу эти цветы. Я с такой радостью жду, когда они зацветут, тогда я в еще большей степени почувствую, что в Канаде я, словно у себя дома... У меня на родине леса весной были покрыты ковром таких же голубых цветов…»
Еще один фрагмент: «Был чудный вечер, все благоухало - в лесах пахло, как в России, - березой и цветущими деревьями всякими… И мы, проезжая мимо дома и сада одних друзей, увидали их - и вышли. Такой чудный сад! Ландыши, сирень и все пахло, и обошли мы дом…»

Великая Княгиня скончалась 24 ноября 1960 года и была похоронена на кладбище Норт Йорк г. Торонто в Канаде рядом со своим горячо любимым мужем Николаем Александровичем
Куликовским, умершим всего на два года раньше нее.

ДИОНИСИЙ (художник) иконописец

Ната-хозяйка — Sun, 01 Jul 2018 17:49:40 GMT

         ДИОНИСИЙ (ок. 1440 – после 1503), русский художник, мастер фрески и иконописи.

О биографии Дионисия практически ничего не известно. Первый крупный заказ он получил между 1467 и 1476, когда украсил фресками и иконами церковь Рождества Богоматери в Пафнутьево-Боровском монастыре; Дионисий работал здесь под началом старшего мастера, Митрофана, однако завоевал уже достаточный авторитет, поскольку летопись упоминает обоих художников как «пресловущих паче всех» (т.е. славнейших). Известно также, что он писал фрески и иконы в Успенском соборе Московского Кремля (1481, совместно с Тимофеем, Ярцом и Коней), что свидетельствует о его высокой репутации при дворе великого князя московского Ивана III, а также в церкви Успения Богоматери Иосифа-Волоколамского монастыря (после 1485, совместно со своими сыновьями у учениками – Феодосием и Владимиром – и старцем Паисием) и в Павлово-Обнорском монастыре (близ Грязовца на Вологодчине; 1500). Среди этих произведений, сохранившихся на месте либо перенесенных в музеи, бесспорно принадлежащими кисти Дионисия считают: фрески Похвальского и Петропавловского приделов, жертвенника и алтарной преграды Успенского собора Московского Кремля, а также иконы – Богоматерь Одигитрию из Вознесенского монастыря Кремля (1482), Митрополита Алексея в житии (обе – в Третьяковской галерее) и Митрополита Петра в житии (Успенский собор Московского Кремля), Распятие и Спаса в силах из Павлово-Обнорского монастыря (обе иконы – в Третьяковской галерее).
Для стиля Дионисия типичны более грациозные (в сравнении со стилем Рублева) и значительно более удлиненные по пропорциям фигуры, прохладные (в особенности во фресках) колористические гаммы с преобладанием изысканных светлых оттенков, тяготение к идеальной красоте ликов, как правило, лишенных этнической – греческой или русской – характерности.
Явственней всего эти черты, вкупе с декоративным чутьем мастера, проступают в самом масштабном его творении – в исключительно хорошо, практически без поновлений сохранившихся росписях собора Рождеств Богоматери Ферапонтова монастыря, которые он создал в 1502 вместе с сыновьями Феодосием и Владимиром (что касается икон из этого собора, то самые ценные их них находятся ныне в Третьяковской галерее и Русском музее). Сюжетно здесь доминируют сцены земной жизни Богородицы вкупе с символическими мотивами из ее акафиста (созданного в 6 в. Романом Сладкопевцем); все в целом слагается в зрительный гимн Свет неизреченно Родившей, исполненный удивительной духовной гармонии и грациозного благородства форм. Краски буквально излучают свет, во многом благодаря тому, что белый цвет впервые в древнерусском искусстве обретает самоценное звучание.

Будучи человеком вполне мирским (известен исторический анекдот о том, как он согрешил в Пафнутьевой обители тем, что принес туда жареную баранью ногу, т.е. еду в высшей степени не монастырскую), Дионисий, тем не менее, прославился среди современников как «изящный и хитрый» изограф. Его высоко ценил преподобный Иосиф Волоцкий, возможно, именно ему адресовавший свое Послание иконописцу (конец 15 в.), написанное в защиту икон против еретиков.
Влияние мастера породило в 16 в. целую традицию или «школу Дионисия», к которой принадлежал, в частности, его сын Феодосий (известнейшее произведение последнего – росписи Благовещенского собора Московского.

Винсент Ван Гог

Счастливая — Tue, 12 Jun 2018 18:29:35 GMT

Винсент Ван Гог (1853-1890)

Сейчас, пожалуй, трудно найти человека, которому было бы незнакомо имя Винсента Ван Гога, голландского художника, творившего в конце XIX века во Франции. Он, не признанный современниками, у потомков снискал невиданную популярность. Полотна его кисти, спустя сто лет после появления на свет, стали не только одними из самых дорогих произведений современного искусства, они, наконец, были по достоинству оценены знатоками и ценителями подлинных шедевров. Сейчас его произведения украшают собрания самых знаменитых галерей и музеев мира (Музей Метрополитен, Нью-Йорк; Художественный институт, Чикаго; галерея Тейт, Лондон). Судьба картин Ван Гога становится объектом пристального внимания почитателей живописи со всего мира. Ван Гог, чье творчество сейчас искусствоведы называют характерным примером постимпрессионистической живописи, в свое время не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, несмотря на это, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

Любовь к прекрасному, вероятно, зародилась еще в юности, когда будущий мастер работал продавцом полотен в салонах фирмы Гупиль. Однако перипетии личной жизни, опыт, накопленный за столь небольшой период, и, что немаловажно, пример отца привели его к мысли о том, что необходимо нести слово Господа миру и людям. Так, молодой проповедник Винсент Ван Гог попадает в бельгийский шахтерский поселок под названием Боринаж. Как человек, тонко чувствующий, он не мог оставаться равнодушным к тому, что здесь видел - к нищете и бесправию. Осознание того, что он сам не в силах как-либо облегчить жизнь обитателей Боринажа, заставляет Ван Гога задуматься о смысле и пользе его профессии, а скорее, о ее бессмысленности. Так, постепенно он отходит от деятельности проповедника и начинает заниматься набросками с натуры.

Куликов Иван Семенович: ученик Репина, академик живописи

Марина_С — Thu, 28 Sep 2017 17:16:04 GMT

Куликов Иван Семенович родился в 1875 году в Муроме в семье мастера малярного дела Семена Куликова.

Успехи Куликова в рисовании и живописи были отмечены еще в земском училище. Всерьез заняться искусством Ивану советовали многие. Но главную роль в выборе пути сыграла встреча Куликова с известным художником А. И. Морозовым. Он не только рекомендовал Ивану поехать учиться в Петербург, но и помог ему в этом.
В 1983 году Куликов уже в Петербурге. Сначала он занимается в мастерской Морозова, потом, в 1894 году, поступает в школу поощрения художеств, где постигает основы графики, живописи и композиции. В 1896 году Куликов становится вольнослушателем в Академии художеств. Здесь талант художника так же не остается без внимания, этюды Куликова отмечает сам Репин и приглашает в свою мастерскую.
В 1898 году Иван Куликов становится учеником Академии художеств. В годы учебы Куликов вместе с Кустодиевым участвуют в работе над картиной Репина «Заседание Государственного совета». Для этого произведения, являющегося сегодня самым большим и знаменитым групповым портретом в Русском музее, Куликов написал едва ли не большую часть портретных зарисовок. По рекомендации Репина в 1900-1901 годах Куликов работает над иллюстрациями к произведениям Максима Горького (часть этих
работ можно посмотреть в Муромском историко-художественном музее)
Пряхи
Академию художеств Куликов заканчивает в 1902 году. За дипломную работу «Чаепитие в крестьянской избе», отмеченную Большой золотой медалью, Иван Куликов получает звание почетного гражданина и право на путешествие за границу. Первая командировка состоялась в 1903 году.
Куликов посещает музеи Берлина, Дрездена, Мюнхена, смотрит на произведения Тициана, Веронезе, Тьеполо, Тинторетто — старых итальянских мастеров. Около месяца изучает уникальную живописную коллекцию Лувра. В 1904 году Иван Куликов по настоянию Репина еще раз выезжает за границу. Право вторичной поездки за счет Академии давалось далеко не каждому.

Портрет матери

В 1905 году Куликов участвует во Всемирной выставке, проходившей в Льеже. Там за картину 1903 года «Портрет матери» Куликова награждают Большой Серебряной медалью. Работы 1906 года «В праздничный день» и «С фонарями в саду» удостаиваются премии Куинджи.

С фонарями в саду
Участие в 36-й выставке Передвижников, проходившей в 1908 году — еще одно важное событие в творческой жизни известного муромского художника. Авторитет Куликова в художественной среде был очень высок — его, наряду с с Малявиным, Нестеровым, Кустодиевым и другими не менее известными мастерами включают в список кандидатов на должность профессора, руководящего живописным отделением в Академии.
Однако, жить и работать Куликов уезжает в Муром. В эти годы Куликов много пишет. За цикл картин о родном городе в 1915 году Куликов получает звание академика живописи.

Муромские монастыри

После 1917 года большую часть своего времени Иван Семенович посвящает созданию Муромского краеведческого музея. Благодаря ему сохранились уникальные коллекции графов Уваровых — картины, книги, документы, скульптуры, предметы быта и исторические реликвии.
Но и к живописи Куликов не теряет интереса. В 30-х годах художник создает более 200 работ, а в 1940 начинает работать над своей самой большой картиной «Выход Нижегородского ополчения в 1612 году». Это произведение так и не было закончено. Иван Семенович Куликов неожиданно умер в декабре 1941 года.

Крестьянка с граблями

В 1947 году в Муроме открыли Мемориальный Дом-музей академика живописи И. С. Куликова, который просуществовал 60 лет. Сейчас дом находится в частной собственности родственников художника, а картины переданы в Муромский историко-художественный музей.

Слова художников

Максим_Коровин — Thu, 24 Aug 2017 18:01:25 GMT

«Человек смотрит в телескоп на звезды и забывает, что он сам – звезда», - Казимир Малевич.

"Только искусство делает из человека человека. Неправда, христианство не лишало человека чувства эстетики: Христос велел жить и не закапывать своего таланта. Мир языческий всегда был полон творчества, при христианстве, может быть, вдвое." (Коровин К.А.)

Казимир Малевич - художник

Максим_Коровин — Thu, 24 Aug 2017 17:54:56 GMT

Казимир Малевич ( Kazimierz Malewicz )
Дата рождения: 23 февраля 1879 г. Дата смерти: 15 мая 1935 г.
Место рождения: Киев, Украина
Деятельность: живописец, сценограф, теоретик искусства, педагог
Семейное положение: был женат.

Полотна Казимира Малевича известны миллионам, но понятны единицам. Одних картины художника пугают и раздражают простотой, других восхищают и завораживают глубиной и тайными смыслами. Малевич творил для горстки избранных, но равнодушным не оставил никого.
Художник Казимир Малевич.
Прожив насыщенную исканиями жизнь, первопроходец русского авангарда подарил потомкам все, чем живет искусство сегодня, а его картины парадоксальным образом выглядят современнее нарисованных последователями.
Детство и юность Казимир Северинович Малевич родился в Киеве 23 февраля 1879 года. Биография художника загадочна и полна «белых пятен». Одни называют годом рождения будущего кубиста 1879-й, другие – 1978-й. По официальной версии Малевич родился в Киеве, но есть и те, кто склонен считать малой родиной художника белорусский городок Копыль, а отцом Казимира – белорусского этнографа и фольклориста Северина Малевича.

Казимир Малевич
в молодости Если придерживаться официальной версии, то родители крестили Казимира Малевича в середине марта 1879 года в Киевском костеле святого Александра, свидетельством чего является архивная запись в приходской книге.
Отец будущего абстракциониста – шляхтич Северин Малевич – родился в местечке Турбов Подольской губернии Российской империи (сегодня Винницкая область Украины). В Турбове Северин Антонович трудился управляющим на сахароваренном заводе промышленника Николая Терещенко. Мама Казимира Малевича – Людвига Александровна Галиновская – присматривала за домом и воспитывала многочисленное потомство: у Малевичей родилось четырнадцать детей, но до зрелого возраста дожили девять из них – пятеро сыновей и четыре дочки.

Мама Казимира Малевича Людвига Александровна

Казимир – первенец четы Малевичей. В семье общались на польском языке, но знали украинский и русский. Будущий художник считал себя поляком, но в период коренизации в анкетах записывался украинцем.
До 12 лет Казимир Малевич прожил в селе Моевка Ямпольского уезда Подольской губернии, но из-за работы отца до 17 лет по году-полтора жил в селах Харьковской, Черниговской и Сумской губерний.
Портрет Казимира.

В детстве Казимир Малевич о рисовании знал мало. Интерес к холсту и краскам у подростка проявился в 15 лет, когда сын с отцом побывал в Киеве. На выставке юный Малевич увидел поразивший его портрет девочки, сидящей на скамейке и чистящей картошку. Картина стала отправной точкой для желания взяться за кисть. Заметив это, мама на день рождения купила сыну набор красок.
Увлечение Казимира рисованием оказалось так велико, что 17-летний сын упросил отца позволения поступить в Киевскую художественную школу, основанную русским
художником-передвижником Николаем Мурашко. Но проучился Малевич в Киеве только год: в 1896 году семья перебралась в Курск.
.

художник Павел Михайлович Пермяков, с. Татаурово

Надя_Пермякова — Wed, 26 Apr 2017 12:12:16 GMT

Представляете, ездили недавно к папиному брату на юбилей и узнала информацию, что у моего дедушки, был брат и его сын был художником.
Похож на папу моего.
Детство (1923-1938 гг.)
Павел Михайлович родился 27 февраля 1923 года в д. Никитинцы Курчумского сельского совета Сунского района Кировской области в крестьянской семье Михаила Леонтьевича и Федосьи Тарасовны Пермяковых. Из 8 детей выжил один — Павлуша. Он оказался самым крепким и стойком. В 1927 году умирает отец, без кормильца мать трудно поднимала на ноги сына.
Павел учится в школе села Курчум, мальчик даже не помышляет о том, что судьба одарила его необыкновенным искусством – талантливо отображать свои мысли и чувства с помощью кисти и красок на холсте. Курчум – одно из самых древних сел нашей области. Оно уютно расположилось на холме Вятских увалов. Уже самые ранние впечатления от окружающей природы активно формировали самобытный, сильный характер будущего художника.
Первый учитель Исупов Григорий Иванович познакомил пятиклассника Пашу Пермякова с основами рисования, научил любить окружающий мир, воспитал потребность изображать его набумаге. Павел хорошо усвоил эти уроки. Несмотря на свои юные годы, мальчишка развивает силу воли. В его возрасте, особенно весенней порой, каждому хочется бежать на улицу и резвиться с друзьями на лоне пробуждающейся природы. Вместо этого Павел настойчиво рисует, развивает руку, пробует разные жанры. Ставит непосильную для подростка задачу: «Пока не закончу картину, никакой улицы!» Он сдержал своё слово. Слово человека сильной воли.

Юность (1938-1941 г.г.)
Сложным стал путь профессионального поиска будущего живописца. В 1938 году после окончания Курчумской семилетней школы юноша поступает в Кировское медучилище. Проучившись в нём один год, из-за материальных трудностей переходит в железнодорожное училище, где получает специальность слесаря-паровозника. Романтической казалась эта профессия – управлять паровозом, ремонтировать его.

Война (1941-1945 г.г.)
В 1941 году Павлу Михайловичу исполняется 18 лет, он получает «броню» — отсрочку от фронта: нужны в тылу и слесари, и кочегары. Позднее в разговоре о тех суровых годах на станции Верещагино Пермской области он скажет: «Что и говорить, всем в
войну было трудно, и нам тоже: набросаешься за смену уголька в топку, а поесть – хлеб да кипяток с кусочком сахара, откуда только силы брались – видно молодость помогала. Голодно было, быстрее спать ложились, чтоб о еде не думать».
Позднее приставили смышлёного паренька к старому мастеру Петру Агееву, который ремонтировал точные механизмы в управлении паровозов. «Приглядывайся, но недолго, скоро военный заказ будем делать», — предупредил опытный наставник. Вот так
вятский юноша освоил устройство паровоза, например, знал несколько способов установки манометров. Начинается самостоятельная работа в должности слесаря-автоматчика на грузовом паровозе № 2590 Ф.Д. (Феликс Джержинский), получившем во время войны звание «Лучший комсомольский локомотив 1942 года». Павел Пермяков и ещё трое юношей придумали использовать в качестве топлива не дрова, а паровозную нефть. Необычно для тех времён и экономно. Главное – облегчили труд всей бригады. На фронт везли солдат, военную технику, продовольствие…
«Крокодил на паровозе» — так называлась станционная рукописная газета, в которой высмеивались неполадки на железной дороге, критиковалась недобросовестные рабочие.
Редактором и художником этой газеты назначается Павел Пермяков. Несомненно, самым интересным в «Крокодиле» стали рисунки редактора газеты. Именно эти первые публичные зарисовки, по мнению Павла Михайловича, стали первыми шагами в большую живопись: «Я не думал, что та редакторская работа подтолкнет меня впоследствии к моему большому увлечению рисованием, приведет в школу, где я с удовольствием буду учить живописи ребят сначала в Сунском районе, а потом в Татаурове». В 1943 году от сквозняков, холода и недоедания Павел Михайлович заболел воспалением легких, а позднее услышал от врачей диагноз — туберкулёз
лёгких. Болезнь проходила в острой форме. Результат – инвалидность, запрет работать на паровозе, долгожданное возвращение на Вятку, к матери в Курчум. К счастью, здоровье постепенно возвращалось. В течение двух лет работает директором Дома культуры: неутомимый юноша проводит политинформации, «громкие читки новостей с фронта», организует акции «Всё для фронта, всё для победы», готовит концерты с молодёжью. Конечно, ему постоянно приходилось что-то оформлять, поэтому все это время не расстается с кистью и красками: появляются новые и новые наброски
будущих картин.

Послевоенное время (1945-1954 г.г.)
После войны мужчин в колхозе не хватало, а Павел Михайлович, хоть и недомогал, но активистом был всегда. Его назначили председателем колхоза «Труженик» Сунского района. «Еще труднее было, чем на паровозе: там хоть дело свое знай и работай, а
здесь народ – бабы, девки, парни да пятеро мужиков, вот весь колхоз… сил не хватало. Но сказали «Надо!» И работал. Только в 1950 году ушел в школу учителем рисования и физкультуры, стал работать вместе с женой Алевтиной Семёновной», — вспоминал Павел Михайлович.

Период жизни в селе Татаурово (1954-2005 гг.)
В 1954 году супруги Пермяковы вместе с сыном Валерием и дочерью Антониной переезжают в село Татаурово — центр Татауровского района, в котором проживало около 14 тысяч человек. Супруги Пермяковы продолжают учительскую деятельность в Татауровской средней школе, которая потребовала повышения профессионального
мастерства. В 1958 и 1973 годах Павел Михайлович заканчивает два факультета Заочного народного университета искусств: рисунка и живописи и декоративно-оформительского.
Дружная семья Пермяковых крепко пускает свои корни на татауровской земле. Вырастили трёх замечательных детей и дали им высшее образование. Сыновья Валерий и Николай унаследовали отцовский талант. На протяжении 29 лет Павел Михайлович
преподаёт рисование, черчение, труд, физкультуру. Увлеченно занимается фотографией (собирает собственный фотоаппарат!), оформительской работой, изготовлением масок для новогодних праздников, артистично играет на гармошке.
Молодая учительская пара активно занимается культурно-просветительской работой на селе: участвует в концертах, встречах со знаменитыми земляками, такими, как писатель
Андрей Блинов, Василий Субботин. Павла Михайловича помнят ученики. У Александра Вениаминовича Питиримова, выпускника 1972 г., ныне журналиста газеты Советского района «Вести трехречья», есть рассказ «Картина», в котором он пишет следующее: «Надо отдать должное Павлу Михайловичу. Учил он нас основательно, а ко мне относился по-отечески. Болезненно воспринимал мои художественные неудачи и от души радовался успехам.
Усердно корпел вместе со мной над штрихами и мазками. Бывало, брал мою руку в свою и направлял карандаш в правильную сторону. Думаю, я был примерным учеником, ведь
рисовать очень любил». По-разному случалось в жизни: бывало и плохое настроение, и неудачи на работе, и неполадки в семье. В таких случаях Павел Михайлович уходил в творчество. Оно успокаивало, оно восстанавливало силы, оно подавало надежду и способствовало разрешению проблем. Через всю жизнь он пронёс верность любимому делу. Рисовал пейзажи с изображением села Татаурово и его окрестностей, мест,
связанных с историей рода художников Васнецовых, а также натюрморты, портреты, картины на духовную тему.
Период жизни в Татаурове является расцветом творчества Павла Михайловича. Его картины выставляются на республиканских, областных, районных выставках и приносят успех художнику, который на протяжении 25 лет являлся членом областного клуба
художников (г. Киров). За свой труд награждён грамотами департамента культуры и искусства Кировской области, Российской академии образования, Министерства культуры РСФСР и другими.
За десятилетия творчества накапливается более 200 работ разной тематики и разных жанров. Ими увешаны стены небольшого дома. От неправильного хранения полотна
приходится постоянно подрисовывать, подкрашивать. Павел Михайлович обращается к местным властям с гениальной идеей создания в селе музея.
Для этого требуется помещение. Это случилось в конце 80-х, в годы перестройки. Никто не поддержал сельского художника. Прекрасно владея столярным и плотницким инструментом, встретив 65-летний юбилей, пожилой человек самостоятельно ставит стенки на чердаке дома, мастерит пятиметровую лестницу с перилами, развешивает полотна и обустраивает домашнюю КАРТИННУЮ ГАЛЕРЕЮ. Единственную на то время в Кировской области! На её торжественное открытие (июнь,1991) приезжают гости из
областного центра и районов. Об этом знаменательном для с.Татаурова событии снят фильм «Художник».
С тех пор татауровцы получили возможность прикоснуться к прекрасному: в любое время открытой души Человек Павел Михайлович Пермяков был рад гостям. Жаль, что уже нет с нами этого Мастера, но удивительно: память о нём живёт среди односельчан
в его картинах. Их бережно хранят его дети и внуки.

художник Александр Александрович Дейнека

Максим_Коровин — Tue, 21 Mar 2017 19:29:56 GMT

Александр Александрович Дейнека
Родился 8 (20) мая 1899 года в Курске, в семье железнодорожного рабочего. Предки его, по всей вероятности, происходили из среды малороссийских крестьян. Уже в детстве у мальчика появляется два непохожих интереса, живопись и техника. Он учится в Курском железнодорожном училище и одновременно ходит в небольшую студию. По рекомендации своих тамошних наставников в 1915-1917 гг. он получает художественное образование в Харьковском художественном училище.
Октябрьские события определяют судьбу живописца - ему предстоит стать певцом революции и новой жизни. В 1918 году Дейнека работает фотографом в Угрозыске, становится руководителем секции ИЗО Губнадобраза, занимается оформлением агитпоездов, выпускает плакаты, принимает участие в театральных постановках. В 1919-1920 гг. Александр по мобилизации служит в Красной Армии, участвует в обороне родного Курска от белых войск, но не забывает о своём призвании - руководит художественной студией при Курском политуправлении и "Окнами РОСТА" в Курске, выезжает на фронт в качестве художника агитационного театра.

После службы молодого талантливого курянина командируют в Москву, где он получает возможность продолжить художественное образование во ВХУТЕМАСе, на полиграфическом отделении, у самых именитых учителей - известного живописца, графика и театрального декоратора Игнатия Нивинского и другого, ничуть не менее прославленного художника, сценографа, книжного иллюстратора, основателя советской ксилографии и теоретика живописи - Владимира Фаворского. Влияние Владимира Андреевича на будущее творчество Александра очевидно - достаточно взглянуть на ряд
полотен Фаворского 20-30-х гг. и сравнить их с картинами Дейнеки того же времени. Множество учебных рисунков Дейнеки посвящено человеческой фигуре, его привлекает телесное и выразительное. Также в этот период он иллюстрирует басни Крылова ("Кот и повар", "Крестьянин и смерть", 1922).

В становлении живописной манеры Дейнеки важную роль играют европейские мастера. Например, в гравюре "Эстрадный танец" (1923) без труда угадывается веяние знаменитой картины Матисса. А композиционное решение будущего первого монументального дейнековского полотна "Оборона Петрограда" (1928) перекликается с решением картины немецкого экспрессиониста Фердинанда Ходлера "Выступление йенских студентов на Освободительную войну 1813 г."

Во время учёбы Дейнека общается с одной из самых масштабных и знаковых личностей в истории советского искусства - поэтом Маяковским. Встречи эти окажут на художника огромное воздействие. Можно даже образно назвать Дейнеку Маяковским в живописи. И поэт, и художник выбирали схожие темы для своих произведений, их вдохновляло одно и то же - искренняя вера в революцию и советскую власть, любовь к пролетариату, восхищение физической силой и физическим здоровьем человека. Оба в своём творчестве
уделяли большое место сатире, оба не чурались работы над рекламными и агитационными плакатами, считая это своим долгом перед обществом. Одна из лучших картин Дейнеки получит то же название, что и известное стихотворение Маяковского - "Левый марш" (1941).

Первые шаги. Работа в журнале и общество станковистов.
Окончив ВХУТЕМАС, художник отправляется в командировку, которая послужит ему богатым материалом для творчества в двадцатые годы - в шахтёрский Донбасс. В 1924 году он принимает участие в "Первой дискуссионной выставке объединений активного революционного искусства" в составе "Группы трёх", совместно с двумя другими молодыми, подающими надежды художниками - Андреем Гончаровым и Юрием Пименовым. На следующий год участники этой выставки вместе с другими выпускниками ВХУТЕМАСа основывают "Общество станковистов" (ОСТ), Дейнека - один из членов-учредителей. Живописцы нового общества принимают решение совмещать новейшие европейские течения (в частности, экспрессионизм) с советской тематикой, провозглашают "ориентацию на художественную молодежь". Как и у других членов ОСТ, множество картин раннего периода творчества Дейнеки посвящены изображению "примет XX столетия", воспеванию мирной советской действительности: промышленного производства, индустриализации, жизни современного города и горожан, физической культуры и массового спорта ("В Донбассе", 1925, "Перед спуском в шахту", "На стройке новых цехов", "Лыжники", 1926, "Текстильщицы", 1927).

Тогда же происходят события, которые сам художник считал основополагающими в своей карьере - начинается период его сотрудничества с рядом журналов: "Безбожник у станка", "У станка", "Прожектор", "Красная Нива". Журнал "Безбожник", в 1923-1932 гг. носивший название "Безбожник у станка" (т.к. адресовался в первую очередь пролетарскому читателю), был посвящён атеистическому воспитанию масс и борьбе с
религиозными предрассудками. Научные и исторические статьи, атеистическая публицистика сочетались с безжалостной сатирой: памфлетами на библейские темы, антирелигиозными частушками и, конечно, рисунками и карикатурами. Попы и знахари, обличаемые кистью Дейнеки ("Сам батюшка пожаловал", "Святые прозорливцы", "Чудодейница", 1925) пришлись в этом журнале ко двору. Равно как и карикатуры на тех,
кто считался классовым врагом победившего пролетариата: на кулаков, интервентов, нэпманов, мещан и манерных дам, сожалеющих о дореволюционных временах ("Тоска по изящной жизни", 1927). Однако работа художника в "Безбожнике" и других журналах отнюдь не ограничивалась сатирой. Изображал он также и положительных героев
времени в традициях ОСТ: шахтёров, строителей, женщин-пролетарок, спортсменов ("Постановили единогласно", "На производстве. Женское собрание", "Паровой молот на Коломенском заводе", 1925, "Рабочий и крестьянин", "Футбол", "Спортплощадка. У финиша", 1927).

Иными словами, новый мир, здоровый и светлый, явственно противостоит у Дейнеки старому, больному, грязному миру буржуазных и религиозных пережитков. Сдержанное по колориту, предельно графичное, ритмичное, "снайперское" искусство - вот черты, характеризующие раннего Дейнеку. Художник оправдывал этот повышенный графизм тенденциями самой эпохи, считая, что настало время "более графическое, чем живописное".

В 1928 он пишет одно из главных творений, патетическую историко-революционную картину, которую впоследствии назовёт "своей любимой вещью" - полотно "Оборона Петрограда" с изображением шеренги петроградских рабочих, уходящих на борьбу с Юденичем.

Новые горизонты.
В том же году Дейнека уходит из "Общества станковистов" вследствие несогласия с руководством. Во-первых, возглавлявший ОСТ Штеренберг возражал против того, чтобы члены общества пробовали себя в других видах искусства, помимо живописи - плакат, журнальный рисунок, театральная декорация. А кроме того, ОСТовцы всё больше замыкались на производственной тематике. Сам Александр Александрович комментировал
своё решение так: "Я думал, что ОСТ - это случайное название, а для некоторых участников ОСТ оно не было случайным. По сути дела, по моей природе ОСТ мне не был родственным. Я очень мало писал станковых картин - в год две картины. Собственно говоря, я занимался совсем другим, и, естественно, у меня было тяготение превратить ОСТ в другую организацию, и поэтому я оттуда вышел и вошёл в "Октябрь".

Нельзя сказать, что его надежды оправдались - новое общество твёрдо стояло на идеологии пролеткульта и из направлений признавало, в основном, только конструктивизм. За время пребывания в "Октябре" Дейнека пишет всего одну картину, однако создаёт множество рисунков и плакатов.

Положительным следствием этого членства является то, что в 1929 году выходит в печать новый рабочий журнал "Даёшь", в котором Александр Александрович становится одним из основных художников и работает вместе со старыми знакомыми из "Безбожника". У его рисунков и картин появляется новая интересная особенность. В журнале работает ряд блестящих фотографов, и живописец заимствует у них неожиданные угловые ракурсы,
оригинальные точки зрения. Это время оказывается для Дейнеки весьма плодотворным на плакатное творчество, в непривычном для себя жанре художник быстро осваивается и создаёт ряд достойных работ ("Ударник, будь физкультурником", "Мы требуем всеобщего обязательного обучения!", "Китай на пути освобождения от империализма", "Механизируем Донбасс!", "Превратим Москву в образцовый социалистический город пролетарского государства", 1930).

Другое новое направление, за которое Дейнека смело берётся в конце двадцатых - рисунки в детских книгах и журналах. К тому времени у него уже имелся опыт иллюстрирования книг, например, романа А.Барбюса "В огне" в 1926 (впрочем, более известно повторное в 1934). Однако проиллюстрировать суровое взрослое повествование о войне для мастера пафосно-героической тематики было делом привычным, в отличие от
принципиально новой работы для детей. И художник вновь справляется с вызовом. Одним из первых шагов становится работа над книгой "Про лошадей" для самых маленьких. В 1928-29 гг. Дейнека сотрудничает с детским журналом "Искорка", сопровождает своими иллюстрациями книги Агнии Барто, Николая Асеева.

Когда в 1931 году "Октябрь" принимает его рисунки на выставку с большим количеством оговорок, живописец покидает общество и переходит в РАПХ ("Российская ассоциация пролетарских художников"). Но там Дейнеку подвергают ещё большей критике - за не изжитые недостатки стиля ОСТ, с которым РАПХ враждовала, за обилие "безыдейной" спортивной тематики, за формализм и индивидуализм... (Через год и ОСТ, и РАПХ прекратят своё существование). Тем не менее, мастерство Дейнеки становится всё более
плодотворным, разнообразным по тематике и настроению. Одновременно с фотографичными, жизненными и где-то игривыми полотнами ("На балконе", 1931) он пишет идейные и трагические картины ("Наёмник интервентов", 1931) и вместе с тем продолжает рисовать плакаты ("Построим мощный советский дирижабль Клим Ворошилов", "Дадим пролетарские кадры Урало-Кузбассу", 1931).

Плодотворные тридцатые.
1932 год можно считать вехой в творчестве Александра Дейнеки, новым этапом в развитии его искусства. Этим годом датируется "Мать" - одна из самых значительных его картин, которую Сысоев, биограф художника, называл советским вариантом Мадонны. Дейнековскому образу матери с ребёнком на руках предстоит стать классическим. В тридцатые годы колорит в работах художника светлеет, становится мягче, портреты и
пейзажи наполняются одновременно реализмом и романтизмом, появляется много женских образов. Произведения Дейнеки становятся лиричнее, человечнее и в то же время смелее, индивидуальнее ("Полдень", 1932, "Ночной пейзаж с лошадьми и сухими травами", "Купающиеся девушки", 1933). Вместе с тем он не прекращает писать в хорошо знакомых стилях на привычные темы, исторические и спортивные ("Коммунисты на допросе (в штабе белых)", "Безработные в Берлине", 1933, "Крестьянское восстание", "Бегуны", "Вратарь", 1934).

Поездка в Севастополь в 1934 году даёт художнику почву для написания ряда новых пейзажей. Важную роль в творчестве Дейнеки играет и другая командировка - заграничная. В 1935 году художник посещает США, Францию и Италию. Итогом этого путешествия становится ряд городских пейзажей и портретов ("Дорога в Маунт-Вернон", "Филадельфия", "Вашингтон. Капитолий", "Танцоры в Гарлеме", "Нью-Йорк", "Париж. Набережная Сены", "Париж. В кафе", "Париж. Площадь согласия", "Парижанка", "Сен-Жермен", "Тюильри", "Стадион в Риме", "Площадь в Риме", "Юноша-негр", "Негритянский концерт", 1935, "Скука", 1936).

В тридцатые Александр Александрович снова сливает воедино две свои давние страсти - живопись и технику, пишет картины на тему авиации. Началом этой многочисленной серии можно считать монументальное панно "Гражданская авиация" (1932). Авиационные картины Дейнеки разнятся по настроению - от изобразительности ("Бомбовоз", 1932, "Гидропланы", 1934) до героической патетики ("Парашютист над морем", 1934, "Краснокрылый гигант", 1938). Настоящим шедевром в этом ряду становятся "Будущие лётчики" (1937), одна из самых романтических картин Дейнеки, на которой изображены трое подростков, они сидят спиной к зрителю и мечтательно смотрят вслед улетающему самолёту. В конце тридцатых Дейнека иллюстрирует книги об авиации, написанные для детского чтения известными лётчиками (Г. Байдуков "Через полюс в Америку", 1938, И. Мазурука "Наша авиация", 1940). Некоторые рисунки были созданы на основе ранее
написанных картин (например, "Краснокрылый гигант", 1938). С другой стороны, опыт работы над этими иллюстрациями позволит позднее создать такое монументальное произведение как "Никитка - первый русский летун" (1940), где Дейнека неожиданно решит вернуться к истокам и запечатлеть образ первого русского "авиатора".

Ещё один принципиально новый вид работы для Дейнеки - настенная роспись. Осенью 1937 года в строящемся Театре Красной Армии он начинает создавать декоративное панно - это займёт два года. А зимой 1938 года в стремительном темпе начинается работа над мозаичным циклом "Сутки советского неба" (на котором, по замыслу, должна быть запечатлена жизнь советского народа в течение одних суток) будущей станции московского метрополитена "Маяковская", всего за шесть месяцев до её открытия. Новое испытание Александр Александрович, как обычно, с честью проходит, и мозаичные
панно по сей день украшают станцию. Впоследствии ему ещё раз предложат поработать в оформлении метро, но планы будут прерваны войной, и лишь в 1943 году откроется станция "Новокузнецкая" с расписанными Дейнекой плафонами наружного и подземного вестибюлей.

В конце тридцатых творчество живописца пользуется популярностью и признанием не только на родине, но и за границей. В 1937 году панно "Знатные люди Страны Советов" приносит ему золотую медаль Парижской всемирной выставки. А в 1939 архитектурный проект станции "Маяковская" (мозаики были воспроизведены в натуральном размере в мультимедийной инсталляции "Метрокомната") берёт Гран-при на Нью-Йоркской Международной выставке.

В 1941 году Дейнека создаёт картину "Левый марш", мотивы которой очевидно навеяны стихотворением Маяковского, тогда же решается запечатлеть и образ любимого поэта ("Владимир Маяковский в РОСТА", 1941).

Военный период. Наступает Великая Отечественная, и в живописи, как и в жизни, мирные темы отходят на задний план. В первый год войны в центре внимания Дейнеки находится прифронтовая жизнь Москвы. Первой значительной работой
становится "Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года" (1941). За ней следует ряд других городских пейзажей военного времени ("Площадь Свердлова в декабре 1941 года", "Манеж", 1941). Теперь старые места предстают в новом, драматичном и зловещем антураже. От города живописец переходит к сельской местности, с глубоким страданием
запечатлевает изуродованную землю родной страны ("Сгоревшая деревня", 1942). Не забыта тема авиации, но теперь картины несут совсем другие настроения, чем в тридцатые ("Сбитый ас", 1943, "Парашютный десант на Днепре", 1944).

Побывав в разрушенном Севастополе, Дейнека, очень любивший этот город, потрясён произошедшими разительными и трагическими переменами. У него возникает идея написать батальное полотно, которое станет гимном мужеству защитников города. Чтобы собрать материал, он даже едет на передовую линию фронта в действующую армию под Юхнов и своими глазами наблюдает наступательные бои. Дейнека вспоминает: "Сквозь вьюгу, снег, который сечёт лицо и рвёт с плеч плащ-палатки, мчался танк с людьми на
нём, в масле, копоти, обледенелыми, с обожженными морозом лицами и заснеженными бровями и ресницами. Это был Микеланджело, барочное буйство человека и природы…" Вернувшись, художник соединяет свои впечатления с воспоминаниями о прежнем довоенном городе и создаёт знаменитое героическое полотно "Оборона Севастополя" (1942), страшное и величественное.

Даже в тяжёлое военное время Дейнеке удаётся написать несколько картин (часть из которых была начата ещё до июня 1941) на мирные темы ("Раздолье", "Портрет Мирель Шагинян", 1944). Победа вдохновляет его на серию акварелей с видами на взятый Берлин (под общим названием "Берлин. 1945"), на изображение освобождённых просторов родной земли ("Под Курском. Река Тускорь", 1945).

После войны В послевоенный период Дейнека сохраняет прежний уровень работоспособности и мастерства, однако возвращается к старым,
проверенным жанрам (мирные трудовые будни, спорт, духовно и физически здоровая натура), практически перестаёт расширять границы своего творчества. Тем не менее, за последующие два десятка лет он создаёт ещё множество шедевров ("У моря. Рыбачки", 1956, "Москва военная", "В Севастополе", 1959), продолжает заниматься украшением залов. В 1954 году он расписывает зрительный зал Челябинского театра оперы и балета, в 1956 создаёт мозаику для фойе актового зала МГУ, в 1961 - для фойе Дворец
Съездов в Московском Кремле.

За мозаичные работы "Хорошее утро" (1959-1960) и "Хоккеисты" (1959-1960) Александр Александрович в 1964 году получает Ленинскую премию. В 1969 году его награждают орденом Ленина, орденом Трудового Красного Знамени и медалями, дают звание героя Социалистического Труда.

Помимо собственно живописи, Дейнека занимался и преподаванием: в Москве во Вхутеине (1928-1930), в Московском полиграфическом институте (1928-1934), в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова (1934-1946, 1957-1963), в Московском институте прикладного и декоративного искусства (1945-1953, до 1948 директор), в Московском архитектурном институте (1953-1957). Он состоял в отделении декоративных искусств Академии художеств СССР, являясь членом президиума (с 1958),
вице-президентом (1962-1966), академиком-секретарем (1966-1968).

12 июня 1969 года Александр Александрович Дейнека умер в Москве и был похоронен на московском Новодевичьем кладбище.

Тихобразов Николай Иванович (1818-1874)

Ната-хозяйка — Mon, 13 Mar 2017 17:07:53 GMT

Тихобразов (Николай Иванович, 1818 - 1874) - исторический живописец и портретист. На 17-м году жизни стал посещать классы Императорской Академии Художеств в качестве вольноприходящего ученика, получая при этом стипендию от общества поощрительных художеств. В академии, где главным его наставником был К. Брюллов , он подавал блестящие надежды
и получил за свои успехи две серебряные медали и второстепенную золотую.
Окончил академический курс в 1845 г. с большой золотой медалью, присужденной
за исполнение конкурсной программы "Христос изгоняет торговцев из храма".
Отправившись в заграничное путешествие, в 1847 г. поселился - было в Риме, но в 1849 г. был вызван обратно в Россию по случаю политических беспокойств, происходивших тогда в Италии.
В 1852 г. картина: "Албанезка за шитьем" доставила ему звание академика.
С того времени он безвыездно жил в Санкт-Петербурге, занимаясь исполнением живописных заказов и преподаванием рисования.
Главные его работы - три иконостаса для церквей киевского и новгородского кадетских корпусов и санкт-петербургского батальона военных кантонистов, стенные и плафонные панно в Собственной даче Его Императорского Величества близ Петергофа, такого же рода панно в заново отделанных залах Старого Эрмитажа, 17 декоративных картин для парадной лестницы во дворце великого князя Николая Николаевича (что ныне Ксениевский институт), образа в православном соборе в Седльцах и портрет принца Петра Георгиевича Ольденбургского (в училище правоведения).

художника Шимичева Виталия Александровича

Валентина_Хитрово — Fri, 03 Mar 2017 13:58:50 GMT

Шимичев Виталий Александрович
— художник от Бога! Он не обучался в учебных заведениях по изобразительному искусству. Он из тех, кого называют «самородок». Но к его Богом данному таланту он всю жизнь добавлял знания, почерпнутые им из специальной литературы. Он творил, создавая в картинах неповторимый колорит российской природы, сюжеты русской истории, быта русского народа, всю жизнь двигаясь в направлении служения искусству, отечеству, людям и особенно детям. Он избегал громких слов, просто делал то, что любил, без чего не представлял своей жизни.
Родился Виталий до Великой Отечественной войны 5 мая 1939 года. Еще в младенчестве познав лишения, голод и все тяготы военного и после военного времени, он постиг непростую науку выживания и привычку с оптимизмом смотреть на жизнь, преодолевая все трудности. Значительную роль в его жизни сыграла школьная любовь. Девочка с красивым именем Эльза стала не только его большой любовью, но и верной спутницей жизни, поддержавшей его стремление к живописи. Всю жизнь они прошли рука об руку, понимая друг друга, помогая совершенствоваться в творчестве. Любовь и взаимное уважение они пронесли через годы. Рядом с ними было тепло и родителям, и их детям, и даже их ученикам. Однажды познакомившись с Виталием Александровичем, уже не мыслили себя без
дружбы с ним. В нашей семье три поколения получили от него уроки вхождения в художественный мир. Я знаю такое случалось и в других семьях.
Виталий Александорович был человеком большой души. Для дочери и сына он был любимым человеком. До последних дней он трепетно опекал свою почти столетнюю маму, заботился о ней. При этом ему хотелось верить, что и он проживет долгую жизнь. Строил планы на будущее, намечал важные дела, собирался писать и писать, но не суждено было его чаяниям сбыться.
Жизнь оборвалась внезапно, в 74 года.
При жизни были устроены выставки его картин. Его полотна завораживали посетителей необычной реальностью изображения. Много картин хранилось у него дома в личном запаснике. Мне посчастливилось увидеть их, когда Виталий Александрович пригласил меня в гости. Впечатление от увиденного живет во мне до сих пор. В его произведениях царит русский дух. Это и гусляры, и родная природа, домашняя утварь. Особенно следует отметить картины на исторические сюжеты. Они достоверны настолько, словно художник сам был участником тех событий.
Замечательны его работы, составляющие серии. Это подборка трав, произрастающих на русской земле, серия «Лад», серия древне русской тематики.
В нашей домашней коллекции есть несколько работ В.А. Шимичева и я с удовольствием их представлю.
Картина «Колокольчики на окне» из серии «Лад» (открытое окно, символ открытости миру).

Картина «Золотые шары». Она была подарена в день свадьбы моей дочери с чудесными пожеланиями до золотой свадьбы.

Картина «Клубника» тоже из серии «Лад». Клубника, как живая, наполненная солнцем, светом. Здорово у него получались вышивка, кружева, изделия из бересты.

Картина «Самовар». Из той же серии. Жаль неудачный снимок и не передает подлинную теплоту и притягательность картины.

Картина «Ладья». Из той же серии. Он любил писать и включать в картины русские предметы быта.

Картина «Иван-цвет» из серии «Травы». Присутствие молодого дуба на картине, символизирует жизнь и будующую крепость.

К сожалению, в интернете нет сведений о жизни и творчестве В.А. Шимичева, нет и его произведений. Мне же для пополнения пробелов знаний его биографии пришлось побеседовать с его женой, дочерью, учениками.
Этот замечательный художник постоянно совмещал своё творчество с педагогической деятельностью. Им была разработана уникальная методика преподавания уроков рисования с поэтическим названием «Любование». Он учил своих воспитанников любоваться окружающим миром, явлениями и картинами природы, отдельными предметами и главным творением природы — человеком.
Любоваться — значит смотреть с любовью, выделить лучшее и изобразить это — так объяснял художник свою позицию. На занятиях Виталий Александрович неизменно с уважением относился и к юным ученикам, и к взрослым посетителям, называя их художниками.
Несколько его замечательных уроков сняла на видео мама его учеников
Светлана Хитрово (моя дочь) и теперь они выставлены в Интернет.

Художники Супруги Гэри и Кэтрин Дженкинс

Ната-хозяйка — Tue, 17 Jan 2017 14:47:58 GMT

Супруги Гэри и Кэтрен Дженкинс живут в Карсон-Сити, штат Невада, где находится их художественная студию и галерея. Гэри Дженкинс родился в Бруклине Нью-Йорке. Гэри начал свою художественную карьеру посещая 4 года Ringling школу искусств в городе Сарасота, штат Флорида. После окончания школы многие из его картин были выпущены в печатном виде и находятся в частных коллекциях. Десятки его картин были также
произведены в виде принтов и продается во многих художественных галереях в США. Гэри в настоящее время проживает в штате Невада США со своей женой Кэтрен .

Кэтрен Дженкинс родилсь в Торонто, Канада, и выросла в Южной Калифорнии.
Кэтрен начала рисовать маслом в возрасте 18 лет и продолжала писать и учиться самостоятельно в течение всего 1960 года. В середине 1970-х годов, она стала учителем рисования в студии в штате Невада, где она жила в то время. В 1980 году она познакомилась со своим мужем Гэри Дженкинс. В 1990 году, Кэтрен стала соведущим вместе с мужем Гэри, популярного национального PBS телевизионного арт-шоу, "Дженкинс Арт-студия". Это продолжалось до 1999 года.

В настоящее время оригиналы картин представлены во многих художественных галереях в Кармель, Калифорния. Кэтрен продолжает обучать, а в последнее время стала соведущим с мужем Гэри их международной арт-шоу серии "Красота картин маслом". "Я люблю рисовать цветы больше, чем все остальное. Цветы могут быть окрашены в яркие цвета или в мягких пастельных тонах, в зависимости от настроения, которое хочется выразить на полотнах. Формы мне интересны, особенно, когда очень большие цветы на негабаритных полотнах ".

Живопись Адольфа Гитлера

Ната-хозяйка — Mon, 12 Dec 2016 19:11:19 GMT

Адольф Гитлер обладал художественными способностями, но не имел достаточного уровня мастерства. Он чувствовал цвет, неплохо владел и линией, штрихом. Законы композиции ему также чужды не были. При этом, уровня, обожаемого им же, Рубенса или Рембрандта, он не достиг бы никогда. К тому же, фюрер принимал далеко не все направления в искусстве, ему был близок академизм, романтизм, реализм, «старые» мастера; прочие же течения, он ошибочно отрицал. В собственном творчестве Гитлера прослеживаются романтические настроения; композиция выверена, но порой банальна; цвета подобраны недурно. Его живопись большей частью довольно графична по своей сути. Адольфу великолепно удавались архитектурные пейзажи, вообще, в архитектуре, Гитлер был несомненно талантлив. Его проекты интересны, а часто, даже великолепны.

Возможно, родись Адольф Шикльгрубер в начале XIX столетия, мы с вами
имели бы неплохого художника-академиста, но в век зарождения, развития и
расцвета авангардных направлений во всех видах искусств, романтические
начинания Адольфа были обречены.

Интересно, что в творчестве Гитлера практически отсутствуют мрачные
мотивы, колорит его работ преимущественно насыщен светлыми и яркими
тонами.

Условно, всё творчество Адольфа Гитлера можно разделить на четыре периода:

Венский период (1907-1912)
Мюнхенский п-д (1913-1914)
П-д I-ой Мир.войны (1914-1918)
П-д до II Мир. войны (1924-1939)

В 1907-1918 гг., художественные способности помогали будущему вождю
свести концы с концами и хоть как-то прокормиться. В это время часто
приходилось выполнять мелкие заказы, например, рисовать открытки.
Особенно удавались цветы. Такая работа не требовала большого мастерства,
но способствовала некоторому совершенствованию техники.

Уже будучи рейхсканцлером, Гитлер мог позволить себе заниматься
живописью «для души», формировать коллекции (правда, исходя только лишь из своих собственных предпочтений) и просто наслаждаться изобразительным искусством, большим ценителем которого он был.

В 1934 году фюрер выступил в роли дизайнера, набросав на салфетке
эскиз будущего внешнего вида автомобиля «VW Kafer», впоследствии
известного «Жука»:

Ну и наконец предстваляю вашему вниманию мою небольшую коллекцию из 43 картины Адольфа Гитлера в больее-менее нармальном разрешении.

ДЕНЬ ХУДОЖНИКА и понятие о этой профессии

Ната-хозяйка — Thu, 08 Dec 2016 21:13:23 GMT

Международный день художника - Праздник 8 декабря!
Всемирный день художника!
Мы все любим изобразительное искусство!
Часто посещаем музеи и выставки! Где выставлено множество работ знаменитых художников!
А кто такой художник? И что такое художник?
Если выражаться научно, художник это субъект творческой деятельности в сфере искусства.
А по-простому, художник это человек, профессионально занимающийся изобразительным (и неизобразительным) искусством.

Что же такое художник? Художник это личность …
Вот что говорят художники о художниках:
«Художник должен любить жизнь и доказывать нам, что она прекрасна.» (Анатоль Франс)
«Художник освободился от всех идей, образов и представлений и
проистекающих от них предметов, такова философия супрематизма, выводящая
искусство к самому себе.» (Казимир Малевич)
«Художник не является интеллигентом, когда изображает обнажённую
женщину, он оставляет в нашем сознании мысль, что она собирается сразу
одеться.» (Одилон Редон)
«Художнику полезно время от времени справляться со скучной работой.» (Огюст Ренуар)
«Я по-прежнему считаю, что в области фигурной живописи может
появиться много новых художников, и чем дольше я над всем этим
раздумываю, тем более нахожу желательным, чтобы в такое трудное время,
как наше, художники видели спасение в глубокой преданности высокому
искусству.» (Винсент ван Гог)
«Кто хочет узнать обо мне как о художнике, должен внимательно изучать
мои картины и пытаться узнать из них, кто я такой и что я хотел.»
«Конечно, художник хочет возвыситься интеллектуально как можно выше,
но человек должен оставаться в тени, удовольствие должно быть найдено в
работе.» (Поль Сезанн)
«Я извращенец, вуайерист, но для художника это совершенно нормально.» (Сальвадор Дали)
«Я художник, который пишет изо дня в день, с утра до вечера, фигуры картины и пейзажи, реже портреты.» (Густав Климт)
«Я полагаю, что для художника нет ничего труднее, чем писать розу, но
создать свою розу он может, лишь забыв обо всех розах, написанных до
него.» (Анри Матисс)
«Каждый ребёнок художник, трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста.» (Пабло Пикассо)

Праздник 8 декабря весь мир празднует как Международный день
художника. Этот праздник был учрежден в 2007 году Международной
Ассоциацией «Искусство народов мира».
Праздник День художника! Праздник всех художников!
Художники мира! Что такое художник? Статус художника?! Художник это в первую очередь яркая личность …

Михаил Васильевич Нестеров

Максим_Коровин — Thu, 13 Oct 2016 09:54:45 GMT

Михаил Васильевич Нестеров родился в Уфе 19 (31) мая 1862 в купеческой семье. Получил высшее художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1877–1881 и 1884–1886), где его наставниками были В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, а также в Академии художеств (1881–1884), где учился у П.П.Чистякова. Жил преимущественно в Москве, а в 1890–1910 – в Киеве. Не раз бывал в Западной Европе, в том числе во Франции и Италии, много работал в Подмосковье (Абрамцево, Троице-Сергиева лавра и их окрестности). Был членом «Товарищества передвижников».

Если ранние его исторические картины еще по-передвижнически сюжетно-бытописательны (Избрание Михаила Федоровича на царство, 1886, Третьяковская галерея), то позднее, как бы идя вослед В.М.Васнецову, он усиливает в своих образах фольклорные черты (За приворотным зельем, 1888, Саратовский художественный музей имени А.Н.Радищева), атмосферу религиозной легенды (Пустынник, 1888–1889,
Третьяковская галерея). Под воздействием живописи французского символизма (П.Пюви
де Шаванн и в особенности Ж.Бастьен-Лепаж) Нестеров подчеркивает идиллически-задушевное единство своих героев и окружающей природы. Таково знаменитое Видение отроку Варфоломею (будущему Сергию Радонежскому; 1889–1890, Третьяковская галерея), написанное близ Абрамцево, – картина, где чувством чудесного проникнуты в
равной мере и фигуры, и типически-среднерусский пейзаж. С этих лет художник активно работает и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве (1890–1895), где Нестеров выступил прямым продолжателем Васнецова; мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге (1894–1897), росписи храма Александра Невского в Абастумани (1902–1904), Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве (1908–1911).
Здесь закрепляется традиция «церковного модерна», наполняющего канонические
церковные сюжеты глубоким лиризмом.

Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на «экспорт», а единственная его постреволюционная выставка (1935) носит закрытый, «спецпропускной» характер. В эти годы художнику лучше всего удается выразить себя в портретах; он пишет людей искусства и науки как своего рода подвижников творческой аскезы. Таковы Художники П.Д. и А.Д.Корины (1930), Академик И.П.Павлов (1935), Скульптор И.Д.Шадр (1934), Скульптор В.И.Мухина (1940; все работы – в Третьяковской галерее) и др. В последние
десятилетия жизни Нестеров увлеченно работал над воспоминаниями, которые вышли отдельной книгой (под названием Давние дни) в год его кончины.

Умер в Москве 18 октября 1942.

Весна. Абрамцево

Видение отроку Варфоломею

Два лада.

Поль Гоген Художник

Светлана_Ф — Thu, 05 May 2016 20:31:35 GMT

Поль Гоген (1848 — 1903) – французский художник, график, гравер, родился в Париже в семье журналиста и франко-перуанки.
Вначале своей биографии Поль Гоген был моряком, позже успешным биржевым брокером в Париже. В 1874 году он начал рисовать, вначале по выходным. К 35 годам при поддержке Камиля Писсаро Гоген полностью посвятил себя искусству, оставив свой образ жизни, удалившись от жены и пятерых детей. Установив связь с импрессионистами, Гоген выставлял с ними свои работы с 1879 по 1886 год. В следующем же году он уехал в Панаму и Маритинику. Борясь с «болезнью» цивилизации, Гоген решил жить по принципам первобытного человека. Однако физические болезни заставили его вернуться во Францию. Следующие годы в своей биографии Поль Гоген провел в Париже, Бретани, совершив короткую, но трагическую остановку в Арле вместе с ван Гогом.
В 1888 году Гоген и Эмиль Бернар выдвинули синтетическую теорию искусства (символизм), придавая особое значение плоскостям и отражению света, неприродным цветам в соединении с символическими или примитивными объектами. Картина Гогена «The Yellow Christ» (галерея Олбрайт, Буффало) является характерной работой для того периода. В 1891 Гоген продал 30 полотен, а затем на вырученную сумму отправился на Таити. Там он провел два года, живя бедно, нарисовал некоторые из последних своих работ, а также написал «Noa Noa» — автобиографическую новеллу.
В 1893 году в биографии Гогена состоялось возвращение во Францию. Он представил несколько своих работ. Этим художник возобновил интерес публики, но заработал очень мало денег. Сломленный духом, больной сифилисом, который причинял ему боль уже много лет, Гоген снова переезжает к южным морям, в Океанию. Там были проведены последние годы жизни Гогена, там же он безнадежно, физически страдал. В 1897 году Гоген пытался совершить самоубийство, но не смог. Затем еще пять лет провел в рисовании. Он умер на острове Хива-Оа (Маркизские острова).
Сегодня Гоген считается художником, оказавшим чрезвычайно большое влияние на современное искусство. Он отказался от традиционного западного натурализма, используя природу, как исходную точку к абстрактным фигурам и символам. Он выделял линейные образцы, поразительные цветовые гармонии, которые пропитывали его картины сильным чувством таинственности. За свою биографию Гоген оживил искусство ксилографии, выполнив свободные, дерзкие работы ножом, а также выразительные, не отвечающие нормам формы, сильные контрасты. Кроме того Гоген создал несколько прекрасных литографий, гончарных работ.
В США представлено множество работ Гогена, включая «The Day of the God» (институт искусств, Чикаго), «Ia Orana Maria» (1891, музей Метрополитен), «By the Sea» (1892, национальная галерея, Вашингтон), «Where do we come from? What are we? Where are we going?» (1897, музей художественных искусств, Бостон). Произведение Уильяма Сомерсета Моэма «Луна и грош» (Moon and Sixpence, 1919), построенная на событиях жизни Гогена, много сделала по продвижению легенды художника, которая возникла вскоре после его смерти.

картины

Секреты картины Рембрандта «Даная»

Ната-хозяйка — Wed, 10 Feb 2016 13:39:40 GMT

В 1985 году психически больной мужчина облил кислотой один из шедевров Рембрандта — «Данаю». Едкая жидкость уничтожила 27% картины, и реставраторам потребовалось 12 лет, чтобы её восстановить.
15 июня 1985 года 48-летний безработный из Каунаса Бронюс Майгис посетил Эрмитаж и вошёл в историю. От других посетителей будущего пациента психиатрической клиники с диагнозом «вялотекущая шизофрения» отличало то, что с собой в музей он принёс нож и банку с серной кислотой. Перед тем, как облить «Данаю» Рембрандта, он два раза ударил картину ножом.
Как утверждают некоторые очевидцы, акт вандализма сопровождался выкриками «Свободу Литве!». Однако эти показания нельзя считать надёжными, как и сообщения о том, что мужчина также планировал устроить взрыв.
Несмотря на то, что к спасению картины приступили сразу же и уже к вечеру реставраторы остановили химическую реакцию, сильно пострадала центральная часть картины — фигура Данаи. Кислота оставила в красочном слое глубокие отметины. Практически полностью была уничтожен фрагмент, изображающий драпировку на ногах.
На реставрацию картины ушло 12 лет. После атаки эксперты предлагали поместить оригинал в хранилище, а в музее выставить копию. Однако в 1997 году полотно руки Рембрандта вновь выставили в Эрмитаже, но уже под бронированным стеклом.

Куда исчез золотой дождь?

Рембрандт писал «Данаю» с 1636 по 1647 год. В основу шедевра лёг древнегреческий миф. Даная была дочерью царь города Аргоса Акрисия. Согласно преданию, последний должен был умереть от руки своего внука.
Чтобы не допустить этого, правитель заключил дочь в подземелье и приставил к ней служанку. Девушка так бы и провела всю жизнь в темнице, если бы её не заметил бог Зевс, который проник в комнату в виде золотого дождя. После встречи с божеством Даная родила сына Персея, который впоследствии исполнил пророчество.
Легенда была довольно популярным сюжетом у живописцев. К нему, например, обращались такие знаменитые художники, как Тициан, Корреджо, Госсарт и Климт. Основное отличие картины Рембрандта от предшественников было в том, что он не изобразил на картине Зевса. Традиционно падающий золотой дождь,
который художники рисовали с помощью охры, голландец в последней версии
картины заменил золотистым светом, пробивающимся сквозь балдахин.

Жена с чертами любовницы. Ещё одна загадка, долго мучившая искусствоведов, — почему лицо Данаи не похоже на лицо жены Рембрандта Саскии, которая была его музой и умерла всего через восемь лет после свадьбы.
Художник часто использовал её в качестве натурщицы. «Данаю» Рембрандт
начал писать спустя два года после того, как они поженились, а значит, писал не по памяти.
В 1956–1962 годах полотно изучили с помощью рентгеноскопии.
Выяснилось, что художник изменил картину уже после смерти жены. Историки
утверждают, что на этот шаг живописец решился из-за скандала, который ему устроила одна из его любовниц Гертье Диркс, которая ревновала его к покойной супруге. После ссоры Рембрандт изменил причёску, выражение лица, положение рук и ног, а также освещение тела Данаи. Надо отметить, что роман с Диркс продлился недолго. Роман закончился, когда она потребовала, чтобы знаменитый художник на ней женился. Последний отказался, и его обязали выплачивать любовнице отступные. Несмотря на финансовую помощь, уже через год Диркс оказалась в тюрьме.

Впрочем, все эти факты биографии художника были неизвестны Майгису, который с трудом окончил четыре класса школы. Обвинительный приговор вандалу суд Ленинграда вынес 26 августа 1985 года. Мужчину освободили от уголовной ответственности, так как признали душевнобольным. Какое-то время мужчина лечился в психиатрической клинике в Ленинграде, а потом был отправлен на родину. Его довольно быстро выпустили из лечебницы, так как Литва стала независимым государством. О дальнейшей судьбе этого человека мало что известно. Однако о содеянном он вряд ли сожалел.
«Я лично считаю себя человеком здоровым. Никакого сожаления о том, что я уничтожил шедевр мирового значения, я не испытываю. Значит, его плохо охраняли и берегли, если мне это так сравнительно легко удалось сделать», — заявил Майгис одной из литовских газет.

Художник и скульптор Михаил Шемякин

Викторовна — Tue, 11 Nov 2014 15:52:01 GMT

Художник и скульптор Михаил Шемякин считает, что является частью русской культуры — но в современной России жить не хочет и не собирается. Тридцать лет назад, когда его странные фантасмагорические работы приобрели известность в андеграундных кругах, его выслали из Союза. Мировое признание к Шемякину пришло в Париже, потом он принял американское гражданство, а сейчас живет во французской провинции. Вновь начал работать на родине только после распада СССР: сделал свой вариант памятника Петру I в Петербурге и скульптурный
ансамбль «Дети — жертвы пороков взрослых» в Москве.
Кроме того, было организовано несколько персональных выставок Шемякина, на телеканале «Культура» прошел цикл передач «Воображаемый музей Михаила Шемякина», посвященный уникальной библиотеке художественных форм, которую художник собирает почти полвека. Участник проекта «Сноб» с декабря 2008 года.

Новая выставка Андрея Афонина

Миша_Коля — Fri, 26 Apr 2013 04:11:37 GMT

В нашем городе Озёры открылась выставка Андрея Афонина, художника с тяжёлой формой ДЦП - он может только двигать левой рукой, да и то её движения ограничены. Андрей не смог побывать на открытии - далековато от Москвы. Мы послали ему фотографии. В двух городских газетах размещены статьи об Андрее и его выставке.

это его работы

Что значит для Вас живопись и какое понятия Вам художник?

Счастливая — Wed, 18 Apr 2012 05:41:01 GMT

Живопись для меня это очень большое и гордое слово! до 22лет я уже рисовала, но не осознавала что этим я много смогу: найти друзей, выразить свой внутривенный мир, а главная цель моей жизни помочь людям найти себя и обрести радость в жизни. Да, я рисую не руками, я не люблю жалости и поблажек в учебе и любой работе.
Художников на свете много, мне интересно как в Вашем понятие слово ХУДОЖНИК? и что Вы знаете о них?

Мастер класс французского художника Жакомо де Пасса

Полина_Никитина3 — Sat, 24 Mar 2012 15:58:23 GMT

Недавно побывала на выставке и мастер классе французского художника
Жакомо де Пасса, его живопись просто очаровывает! Картины написаны
легко, лаконично, но в тоже время обладают глубиной. Жакомо пишет
маслом на холсте или оргалите, акварелью по бумаге, делает потрясающие
литографии, скульптуры – диапазон художника очень широк! Не оставляют
равнодушным литографии де Пасса : легкий, живой штрих задорно бегает
по картону, выводя романтичные образы влюбленных, музыкантов,
утонченных женщин. Акварель Жакомо вольно растекается, предоставляя
взору причудливые рожицы.

А вот масляные картины внушительных размеров, где наездники погоняют лошадей, играя в поло, юные дамы
забавляются, лаская своих кошек, бесится непокорное море в лучах
заката. Но для этой выставки главенствующей темой была все-таки
музыка.

Под звуки живого оркестра художник показывал мастер -класс.

На стекле постепенно появлялись очертания скрипки, очень легкими
мимолетными движениями кисти появлялось лицо, волосы, кисти рук… И вот
уже нарисованный скрипач выводит лиричную мелодию! Работа была
окончена под аплодисменты публики. Затем все подходили к Жакомо де
Пассу за автографом и просто болтали с ним. Подошли и мы с мамой,
объяснили через переводчика, что, мол, мы СВОИ. Показали одну из моих
работ, случайно оставшуюся на цифровом фотоаппарате, подарили буклет,
в котором были напечатаны и четыре мои работы. Жакомо был удивлен,
очень эмоционально высказывался по поводу картин. Отметил мой цвет и
свет. Посоветовал мне работать, работать и работать каждый день. А еще
… чмокнул меня в щечку… Хи-хи! В общем, Жакомо де Пасс оказался очень
общительным эмоциональным человеком. Вот…

Встреча на выставке.

Полина_Никитина3 — Fri, 25 Feb 2011 21:16:02 GMT

В воскресение я ходила на встречу со школьниками в библиотеку имени Горького, где проходит моя персональная выставка. Встречу вела моя школьная учительница Светлана Павловна и заведующая отделом искусств в библиотеке Людмила Ивановна.
Я и моя мама рассказывали детям о творчестве, о том как я работаю. Так же мы отвечали на вопросы детей. Все прошло отлично! Ребята приняли меня вполне адекватно : )), так что я не стеснялась говорить и чувствовала себя вполне комфортно.
Спасибо большое всем, кто помог организовать эту выставку и встречу!
Здесь Вы можете посмотреть видео с этой выставки.http://video.mail.ru/mail/nikitina_polina/48
Фотографии со встречи Вы найдете здесь http://foto.mail.ru/mail/nikitina_polina/855/

«Мост искусств» -

Полина_Никитина3 — Sun, 18 Jul 2010 02:35:41 GMT

И так, наш город Железногорск в этом году – культурный центр Сибири.
Поэтому мы с мамой и бегаем по выставкам, как угорелые.
Сегодня «бегали» в музей на открытие выставки «Мост искусств» - совместная экспозиция германских и русских художников. Последние были преимущественно из Красноярска.
При входе в выставочный зал я сразу увидела то, что близко мне самой - женские образы, написанные в свободной манере ярко и пастозно, полунамеками. Это работы Красноярского художника Николая Балышева, сразу видно – наш человек! По другой стороне зала висели работы немцев.
Удивили картины художницы Гудрун Фишер- Бомерт. Издалека мне показалось - это батик – настолько мягкие переходы цвета. Плывет лодка по водной глади… Удивительно, что ты видишь только поверхность воды, отражение и саму лодку, а выше – приходится додумывать самому - сюжет работы «выходит» за пределы рамы. Не верится, но это произведение создано акрилом. Когда ты подходишь ближе, видишь широкие мазки и насыщенные цвета.
Сейчас за границей модна «живописная печать». Как я понимаю, это что-то типа монотипии. Из под станков художников возникают полотна с интересной фактурой. Те, что были представлены на выставке, напомнили мне каменные стены какого-то замка.
Дальше шла картина, написанная на пленере нашими учениками художественной школы и гостями из Германии. Это буквально взрыв цвета, эмоций, образов. Вот очаровательная ромашка приютилась в стороне, детская ладошка шаловливо пропечаталась в центре, жар-птицы взмывают в небеса, ближе к солнцу. В центре композиции будто ворота в какой-то другой, таинственный мир, полный солнечного света.
А вот работа графического плана: «Снег в ноябре» Сергея Форостовского, она выполнена маслом, хотя по цвету напоминает сепию – теплую и податливую. Заснеженные дома, деревья, стог сена – все это так знакомо русскому человеку.
Рядом нагло спал седой старик. Вернее, он спал на соседнем холсте. Вот эта картина меня покорила. Плотный синий фон вверху, изумрудно-зеленый внизу. Сам старик написан «крепко» : лицо, руки, ноги – прописаны все объемы, мышцы, а вот яркое одеялко на нем выполнено в декоративном стиле, так же, как фон. Картина Сергея Горбатко «Цветные сны».
По соседству висят натюрморты, букеты - очень милые, легкие, но написанные внимательно и тщательно.
Очень понравилась работа «Ветреный день» Александра Кобыльцова. – Ван Гог, не больше и не меньше! Сгущенная цветовая гамма: темное небо, деревья, будто в сумерках, кое-где дачные домики вспыхивают теплым охристым цветом.
Под конец я, конечно же, пристала к паре художников. Хосе С. Окон дал нам свой буклетик с автографом, назвав меня Паулиной.
А еще мы перемолвились парой слов с Эддой Крульман из Германии. Между прочим, я не навязывалась, она первая мне улыбнулась… О чем мы говорили, умолчу – вот такая я гадкая.
Фото с этой выставки Вы можете видеть здесь http://foto.mail.ru/mail/nikitina_polina/696/ .

Выставка Василия Аникина.

Полина_Никитина3 — Tue, 06 Jul 2010 13:27:41 GMT

Выставка Василия Аникина.

Посетила выставку своего молодого земляка Василия Аникина.
Василий учился в нашей художественной школе, которую закончил с отличием, затем Красноярское художественное училище и, наконец, месяц назад защитился в Московской Художественной Академии под руководством Ильи Глазунова.
Живопись Василия близка к классической. Несомненно, на это повлияло обучение в перечисленных учебных заведениях и творчество деда - профессионального художника.
На выставке были представлены учебные графические работы, пейзажи, написанные с натуры, портреты, профессионализм которых впечатляет.
Когда художник пишет портрет, удивительно, как четкие объемы мягко перетекают друг в друга. Еще ГЛАЗА – они живые.
Чувствуется, что Василий Аникин много времени посвятил работе на планере. Меня очень затронули его пейзажи, чувствуется, что они наши- Русские. «Под Кидекшой», «Ростов Великий», «Москва», «Филёвский парк».
Средние, дальние планы художник пишет широко и свободно. На деревьях смело играет светом и тенью… А еще Василий Аникин мастерски пишет воду, что удается довольно немногим художникам.
Старые домишки, церкви – все они имеют свой характер, свою историю.
Сам Василий говорит, что он хочет научиться выражать свои эмоции и ощущения на холсте (ведь в Академии, как правило,
Желаю Василию, чтобы ему все удалось!

Фотографии, сделанные на выставке, вы можете увидеть здесь http://foto.mail.ru/mail/nikitina_polina/631/
Страничка Василия в Контакте http://vkontakte.ru/id5290655 .

О художниках и для художников! ТВОРЧЕСТВО В НАШИХ РУКАХ

Счастливая — Sat, 26 Jun 2010 12:25:48 GMT

"Я твердо заявляю, что пишу не для себя, а для всех, кто умеет радоваться солнцу, бесконечно разнообразному миру красок, форм, кто не перестает изумляться вечно меняющейся игре света и тени."(Коровин К.А.)